Die besten Alben des Jahres 2023 bisher

Von Boygenius bis Lil Yachty, von Lana Del Rey bis Asake

FOTOS IN ILLUSTRATIONEN VON PER OLE HAGEN/REDFERNS/GETTY IMAGES; CHRISTOPHER POLK/BILLBOARD; TIMOTHY NORRIS/WIREIMAGE; CHUCK GRANT

Neben Blockbustern von Miley Cyrus, Janelle Monáe, Lil Yachty, Boygenius und Lana Del Rey hat uns dieses Jahr eine aufregende neue Generation vielversprechender Popstars wie GALE und Gracie Abrams beschert, zwei großartige BTS-Solo-Joints und brillante Musik von Rap-Radikale wie Danny Brown (mit JPEGMAFIA) und Billy Woods (mit Kenny Segal), innovativer R&B von Jordan Ward und Amaarae und vieles mehr. Hier sind unsere bisherigen Lieblings-LPs aus dem Jahr 2023, ohne Rangfolge und in alphabetischer Reihenfolge.

'Auf Nimmerwiedersehen'

Bei ihrem atemberaubenden Debüt schafft es einer der vielversprechendsten Stars der Popmusik gleich in mehrfacher Hinsicht. Abrams wurde Anfang des Jahres in einer Reportage des Rolling Stone als „Melancholiker der Generation Z“ bezeichnet und vereint die Emotionen der aufstrebenden Generation in einem einzigartigen Sound voller sanfter, einfacher Melodien, die von Traurigkeit durchdrungen sind, aber dennoch eine Wirkung haben. Abrams hat vielleicht eine zarte Stimme, sie singt vielleicht sogar darüber, einen Ex im Internet zu blockieren, aber die Art und Weise, wie sie mit engelhaftem Flüstern brodelnde Zeilen vorbringen kann, unterscheidet sie von ihren Schlafzimmer-Pop-Kollegen. —MG

„Brunnenbaby“

Amaarae ist seit ihrem hervorragenden Durchbruch im Jahr 2020, The Angel You Don't Know, wild und gründlich, mit dem luxuriösen und lustvollen „Sad Gurlz Love Money“, das schnell viral ging und einen Remix mit dem ähnlich dekadenten Kali Uchis nach sich zog. Auf Fountain Baby verdoppelt Amaarae den Nervenkitzel und erhöht die Gefahr, indem sie Einflüsse aus Afro-Rhythmen, asiatischen Standards und Punkrock-Wut für ein grüblerisches Abenteuer durch ihre Welt nutzt. —MC

„Mein Rücken war eine Brücke, die du überqueren musstest“

Anohni und ihre Band, die Johnsons – benannt nach der Schwulenrechtsaktivistin Marsha P. Johnson, die das Cover von „My Back“ ziert – tragen seit Jahrzehnten die Last ihrer Sorgen. Jeder Titel auf „My Back Was a Bridge for You to Cross“ fühlt sich an wie eine griechische Statue, die in einem tragischen Antlitz des Grauens erstarrt ist. Anohnis Stimme klingt zart, wütend und erschöpft, während sie Stück für Stück trauert – um die unerfüllten Versprechen der Bürgerrechte, um Freunde, die durch Drogen und Depressionen verloren gegangen sind, um die Selbstverbrennung einer Welt, die dem Ökozid erliegt. Man spürt, wie die Last, die sie trägt, ihren Rücken zerdrückt, und oft ist es wunderschön.–KG

„Liebe im Exil“

„Love In Exile“ ist kein Jazz, obwohl der Pianist Vijay Iyer dabei ist, ein Schwergewicht in dieser Welt. Es handelt sich auch nicht um „globale Musik“ – was auch immer das heißen mag –, auch wenn es den Urdu-Sänger Arooj Aftab präsentiert, der letztes Jahr in dieser Kategorie einen Grammy gewann. Stattdessen gleicht das Hören von „Love in Exile“, bei dem auch Shahzad Ismaily am Bass und Moog mitwirken, eher dem Besuch einer Art wunderschöner, seltsamer Klanglandschaft aus Streichern, Tasten und Atem. Ihr erstes gemeinsames Album ist eine Meisterklasse im Weltraum, bei der die Musiker abwägen und umeinander herumschwirren wie „ein Fischschwarm“, wie Aftab es beschreibt. -SEI

'Kunstwerk'

Weniger als ein Jahr nach seinem hochgelobten Debüt „Mr. Money With the Vibe“ hat der nigerianische Singer-Songwriter seine zweite LP „Work of Art“ herausgebracht, die mit Abstand die wichtigste Musik ist, die er bisher gemacht hat. Amapiano-Schlagzeug und -Basslinien, Shaker und Synthesizer gepaart mit Gitarren, Saxophonen und Violinen durchdringen das Album. Asakes Mischung aus Amapiano und Afropop (kreiert mit seinem Lieblingsproduzenten und Ingenieur Magicsticks) hat ihn an die Spitze der nigerianischen Künstler gebracht, die einen ähnlichen stilistischen Ansatz gewählt haben. Asake hat bereits bewiesen, dass sein Durchbruch mehr als verdient war. Mit „Work of Art“ festigt er seinen Status als Street-Pop-Superstar.–MM

Barbie the Album hat für jeden etwas zu bieten (Brandi Carliles liebevolles Bonustrack-Cover von „Closer To Fine“ der Indigo Girls ist eine besonders süße, aufrichtige Note) und verbindet den verspielten Feminismus des Films geschickt zu einem unterhaltsamen Musikerlebnis. Ein Barbie-Album ohne Nicki Minaj würde einfach keinen Sinn ergeben, und „Barbie World“, ihr Track mit Ice Spice, bringt Aquas Klassiker „Barbie Girl“ aus den Neunzigerjahren mühelos ins Jahr 2023. Dominic Fike zeigt sich hier von einer fröhlicheren, sommerlichen Seite als sonst „Hey Blondine.“ Gayle spielt in „Butterflies“ eine schmuddelige Barbie. Billie Eilishs „Wofür wurde ich gemacht?“ spiegelt den existenziellen, tränenreichen Moment wider, den Robbies Figur im Film durchlebt.–TM

„Ich spiele meinen Bass laut“

Gina Birch wurde mit den Raincoats, der feministischen Londoner Kunstrebellenband, die sie 1977 gründete, zur Punkrock-Legende. Aber was könnte punkiger sein, als mit 67 Jahren sein erstes Soloalbum zu machen? „I Play My Bass Loud“ hat denselben revolutionären Geist und ist eines der frischesten und witzigsten Rock-Statements des Jahres. „Manchmal wache ich auf und frage mich: Was ist mein Job?“ Sie singt im Titel-Jam und antwortet mit einem Ruf: „Ich spiele meinen Bass laut!“ Ich drehe es lauter!“ —RS

„Blondschale“

Unzählige Künstler versuchen, die Neunzigerjahre wiederzubeleben, aber nur wenige schaffen es besser als Sabrina Teitelbaum, deren selbstbetiteltes Debüt ein atemberaubendes Durcheinander emotionaler Wut und weiblicher Empörung à la „Live Through This“ und „Exile in Guyville“ ist (Teitelbaum ist dieses Jahr sogar mit Liz Phair auf Tour). fallen). Sechs der neun Titel wurden als Singles veröffentlicht (das hervorragende „Salad“ und „Joiner“), aber das vollständige Anhören des Albums ist entscheidend, um Teitelbaums Genie zu verstehen: Sie beschwört nicht nur eine andere Ära herauf, sie erfindet sie neu. -BIN

„Die Ballade von Darren“

Die bloße Existenz von Blurs erstem neuen Album seit 2015 kommt einem geradezu wie ein Wunder vor. „St. Charles Square“ ist ein scharfzackiger, Bowie-artiger Rocker („I fucked up/I'm not the first to do it“). An anderer Stelle fallen Songs wie die Lead-Single „The Narcissist“ und der trügerisch schwungvolle Pop-Bummer „Barbaric“ durch ihren offenen, emotionalen Ton auf. Einige Songs auf „The Ballad of Darren“ erinnern deutlich an die Geschichte der Band – vielleicht nicht mehr als der Eröffnungstrack „The Ballad“, der auf einem Solo-Demo von Damon Albarn aus dem Jahr 2003 basiert und dem langjährigen Sicherheitschef der Band, Darren, gewidmet ist „Smoggy“ Evans. Zwanzig Jahre nach dieser Demo gibt es immer noch niemanden, der einen so bittersüßen Trübsal hinlegt wie Blur. —SVL

'Der Datensatz'

Eine Supergroup wie boygenius hat es noch nie gegeben, weshalb das Label ihnen nicht gerecht wird. Sie sind einfach eine weltbeste Band mit drei der brillantesten Singer-Songwriter der Branche. Julien Baker, Phoebe Bridgers und Lucy Dacus kamen alle mit ihrem ganz eigenen Stil zu Boygenius. Aber die Kraft von Boygenius liegt darin, dass etwas Seltsames, Unvorhersehbares und leicht Gefährliches passiert, wenn diese drei musikalischen Köpfe verschmelzen. Überall auf The Record beweisen sie, dass sie eine Band sind, die alles kann und gemeinsam Gipfel erreicht, die auf andere Weise nicht erreicht werden können. —RS

„Die Hacken erschrecken“

Der Detroiter Hip-Hop-Maximalist Danny Brown und der Rap-Elektronik-Exzentriker JPEGMAFIA erforschen eine radikale, vielleicht etwas aus den Fugen geratene Form der Ehrlichkeit. „Lean Beef Patty“ basiert auf einem hochgedrehten Sample von Diddys „I Need a Girl (Part 2)“, das in der Generation Z in Vergessenheit geraten ist, bevor ein gestaffelter Synthesizer-Puls den aufeinanderprallenden Komponenten einen Rhythmus entlockt. In der Zwischenzeit beginnt die stets referenzielle JPEGMAFIA mit der vielleicht besten Zeile des Jahres und entscheidet sich dafür, „Fuck Elon Musk“ zu sagen, als wäre es einfach der erste Gedanke, den sein Verstand aufbringen konnte. Es sind die ungeschliffenen Kanten des Albums, die einen fesseln. –JI

'Nie genug'

Sechs Jahre nach seinem Debüt „Freudian“, das drei Grammy-Nominierungen erhielt, bleibt Daniel Caesar ein egozentrischer Charakter voller Fernweh. „Never Enough“ begann als Folk-Platte, bevor Caesars langjährige Produktionspartner es in Richtung traditionelleren R&B umwandelten, aber die phasenverschobenen Gitarren und weiten Räume erinnern immer noch an die Space-Western von Daniel Lanois und Brian Eno ebenso wie an die R&B-Kollegen des Sängers. —CP

'Barmherzigkeit'

In den Jahrzehnten, seit er Mitte der 1960er Jahre gemeinsam mit Lou Reed die Band Velvet Underground gründete, hat der abenteuerlustige walisische Singer-Songwriter, Produzent und Komponist eine historische Erfolgsgeschichte hinter sich. Mercy, Cales erstes Album seit einem Jahrzehnt, ist eines seiner überzeugendsten. Voller wirbelnder Klänge, aufrichtiger Gesänge und schillernder Rhythmen kommt sich „Mercy“ wie eine Zusammenfassung, wenn nicht sogar wie ein eigensinniges Finale vor. Doch auch wenn er ins Leere starrt, demonstriert Cale seinen Optimismus, indem er mit jüngeren Musikern rumhängt und das Album oft auf zeitgenössische Rhythmen konzentriert. –JG

„Nata Montana“

Die von Fallen geprägte Variante des traditionellen mexikanischen Volksliedes Corridos Tumbados hat sich zu einem der größten Genres des Jahres auf globaler Ebene entwickelt. Und ein großer Teil dieses Erfolgs ist der Musik von Natanael Cano zu verdanken, der maßgeblich dafür verantwortlich ist, den Platz dieses Subgenres in der Welt der Música Mexicana zu etablieren. Für sein neues Album „Nata Montana“ hat Cano eine Starbesetzung aus Corridos-Stars wie Peso Pluma, Junior H und Gabito Ballesteros zusammengestellt. Das Ergebnis ist eine lebhafte, aufrüttelnde Sammlung, die die Corridos-Übernahme noch stärker ins Rampenlicht rückt. – LV

'3MEN2 KBRN'

Die überwältigendste Leistung in Carrións neuestem Werk besteht nicht darin, dass es ihm gelungen ist, einen All-Star-Kader zu gewinnen, zu dem Future, Lil Wayne und Quavo gehören. Besonders erfreulich ist, wie nahtlos diese Zusammenarbeit mit lateinamerikanischen Duetten mit Myke Towers, Bad Bunny und Carrións Solonummern einhergeht. Die unermüdliche Arbeitsmoral und der pure Ehrgeiz des Rappers haben ein umfangreiches Werk hervorgebracht. „Ich bin ein Mensch und habe meine eigenen Fehler“, gibt Carrión zu. Und doch sind die tiefen Grooves von „Si Salimos“ – mit dem lebenslangen Idol 50 Cent – ​​und die kinetische Anmut von „Coco Chanel“ mit einem inspirierten Benito alles andere als fehlerhaft. —EL

„Paranoia, Engel, wahre Liebe“

Es dauert 97 Minuten, sich die bewegende Popoper „Paranoïa, Angels, True Love“ von Christine and the Queens in drei Akten anzuhören, aber man braucht Monate, um sie vollständig zu verstehen. Auf dem Album beschwört der französische Künstler (nennen wir ihn der Einfachheit halber Chris) Himmelskörper, würdigt seine verstorbene Mutter, flirtet mit 070 Shake, meistert Acid-Rock- und Dubby-Umwege, probiert den Kanon von Marvin Gaye und Pachelbel und errät einiges davon die eingängigsten Melodien seiner Karriere. „Paranoïa, Angels, True Love“ in all seiner Pracht zu veröffentlichen, ist ein mutiger Schritt, denn die Aufmerksamkeitsspanne für Popmusik könnte nicht kürzer sein. Aber das Album ist ein umfassendes Statement und erfordert einen gewissen Zeitaufwand, um es zu würdigen. -KG

'Chemie'

Während Clarksons 14 Songs umfassendes Popspektakel vertreibt sie ihre Angst vor ihrer kürzlichen Scheidung, indem sie den wilden Alt-Rock-Ethos ihres Trennungswerks My December aus dem Jahr 2007 kanalisiert – sowie anschwellende „Kellyoke“-Cover wie Billie Eilishs „Happier Than Ever“ und Soundgardens „Black Hole Sun“ – und die R&B-Reihe von „Meaning of Life“ aus dem Jahr 2017. Aber während das Album voller filmischer Refrains ist, die von großen Gitarrenriffs flankiert werden, hängt ein Großteil der Platte von Clarksons gefühlvollen Vocals und seelenoffenen Texten ab, was Chemistry zu ihrem verwundbarsten Projekt seit My December macht.–IK

„Noch ein Blau“

Die New Yorker Singer-Songwriterin Keba Robinson hat ihren eigenen Stil der experimentellen DIY-Rock-Coolness. Sie begann mit „Crosslegged“ im Indie-Folk-Stil und stützte sich dabei auf ihre Stimme und ihre Gitarre, doch bei ihrem Durchbruch „Another Blue“ erweitert sie ihren Sound um Synthesizer-Wellen und Elektro-Percussion. Dennoch sind die Lieder in ihrem kraftvollen Gesang verankert, insbesondere das unwiderstehlich offenherzige „Only in The“, in dem sie fleht: „I ride on or I die with you/It's in my Blood.“ —RS

„Endlose Sommerferien“

Cyrus hatte Hits mit abführenden Power-Balladen und mit Süßigkeiten überzogenen Oden an Amerika; Sie hat Ausflüge in die Bereiche Synthpop, Psychedelia, Country und Art-Rock unternommen. und sie hat mit der Vorstellung der Öffentlichkeit darüber gespielt, was jemand in ihrer Position der Welt schuldet. Cyrus‘ achtes Album „Endless Summer Vacation“, das mit dem kühlen, belastbaren Unabhängigkeitsbekenntnis „Flowers“ angepriesen wurde, wirkt wie ein Rückblick auf die mehr als 15 Jahre ihrer Karriere, in der Cyrus mit der Leichtigkeit einer erfahrenen Touristin durch die Genres rast. —MJ

'Zeitlos'

Letzten Sommer erzählte Afrobeats-Star Davido dem Rolling Stone, er habe sein viertes Album fast fertiggestellt und seine neue Ära mit einer mitreißenden, Gospel-angehauchten Single über die Überwindung von Schwierigkeiten eingeläutet. Dann, nach einem Leben voller Verluste, sah er sich mit etwas Undenkbarem konfrontiert – dem Tod seines dreijährigen Sohnes. Davido trotzte der Trauer und wurde von seinen Unterstützern ermutigt, das Album komplett neu zu gestalten. Das Ergebnis ist zeitlos, auf wundersame Weise frei von Verzweiflung. Es pulsiert, ohnmächtig und bebt, eine gefühlvolle Mischung aus trotzigem Amapiano, selbstbewussten Clubhymnen, jazzigen Afrobeats und sinnlichen Liebesliedern. Es ist eine Party – und es fühlt sich zielgerichtet an. —MC

„Wussten Sie, dass es unter dem Ocean Blvd einen Tunnel gibt?“

Der Kern von Ocean Blvd besteht darin, dass Del Rey versucht, einen genaueren Blick auf sich selbst zu werfen und die Geschichte umdreht, während wir verstehen (und vielleicht sogar falsch verstehen), was sie uns zu sagen versucht. Durch Geschichten über ihre Familie, eine gescheiterte Beziehung und ihren widersprüchlichen Wunsch, sowohl gesehen als auch verborgen zu werden, enthüllt Del Rey mehr als nur, wer sie ist, sondern auch, warum sie ist, wer sie ist. Songs wie das hervorragende „A&W“ – benannt nach dem Ausdruck „American Whore“, nicht nach dem Root Beer – und „Fingertips“ sind zwei Seiten derselben Lebensgeschichten-Medaille. Jeder denkt über die sexuelle Entwicklung, eine entfremdete Mutter und die erschütternde Realität nach, ein Trauma bis tief ins Erwachsenenalter zu tragen. —BS

„Arbeite an einer Welt“

Die 62-jährige Singer-Songwriterin hat ihr Leben mit Liedern verbracht und strebt nach einem heiligen Sinn für eine moderne Welt, die genau das Gegenteil anstrebt. DeMents neuestes Album ist ein Überblick über ihre neu entfachte gesellschaftspolitische Inspiration und Verzweiflung, eingebettet in eine Country-Gospel-Palette, die fest in ihrem Steuerhaus verankert ist. DeMent ist aus den letzten halben Dutzend Jahren globaler Unruhen und kommunaler Fäulnis hervorgegangen und hat eine Botschaft zu vermitteln: Sie arbeitet an einem Gebäude, und die Arbeiten haben gerade erst begonnen. –JB

'Gedenke des Todes'

Melancholie ist seit langem ein wichtiger Teil des Depeche Mode-Erlebnisses. Daher ist es nicht verwunderlich, dass die Gruppe, deren zwei Mitglieder mittlerweile in den Sechzigern sind, ihr 15. Album Memento Mori nannte, einen Titel, den sie vor dem Tod ihres Gründungsmitglieds Andrew Fletcher wählte. Die Anerkennung der Sterblichkeit prägt einen großen Teil von Memento Mori, aber es fühlt sich nie schwerfällig oder gar so mürrisch an. Einige der Tracks klingen sogar peppig. Wie immer bei Depeche Mode zählt alles im Großen und Ganzen, und bei Memento Mori scheint der Einsatz größer denn je zu sein. -KG

„Rätselhafte Gesellschaft“

​​Das zweite Album der Supergroup von Robert Glasper, Terrace Martin und Kamasi Washington verbindet mühelos Elektro, Jazz und R&B. Die entspannte Atmosphäre von Enigmatic Society beeinträchtigt nicht die gebotene musikalische Virtuosität, sowohl der Band als auch ihrer wechselnden Sängerbesetzung. Nehmen Sie den ohnmächtigen Abschluss „Love Love“, eine sanfte Andacht, die durch Arin Rays süßlich-festen Gesang zutiefst ergreifend ist: „I love you/ For who you are/ And not who they want you to be“, lautet der Refrain, schlicht und einfach übermittelte Stimmung, die der Angelegenheit einen süßen Abschluss verleiht. —MJ

„Schattenkönigreich“

Für dieses Album wurden die Studioaufnahmen der Songs gesammelt, die in Dylans Streaming-Special Shadow Kingdom aus dem Jahr 2021 erschienen sind. Das Material hier tendiert mit drei Ausnahmen in die 1960er Jahre: „Forever Young“ aus „Planet Waves“ von 1974, „What Was It You Wanted?“ aus „Oh Mercy“ von 1989 und ein neuer instrumentaler Abschluss, „Sierra's Theme“. Aber die kraftvoll zurückhaltenden Arrangements scheinen irgendwo zwischen den beiden Weltkriegen, wenn nicht sogar vor Beginn des 20. Jahrhunderts, zu stammen. Diese neuen Versionen klassischer Songs stehen völlig für sich. —MM

„Principia“

Das französische Kollektiv En Attendant Ana kreiert klingenden Indie-Pop mit schimmernden Gitarren, knackigen Harmonien (mit freundlicher Genehmigung von Singer-Songwriter-Bandleader Margaux Bouchaudon und Multiinstrumentalistin Camille Frechou) und gelegentlichen Bläsern. Auf ihrem zweiten Album bleiben ihre Hooklines kraftvoll, aber die Songs sind knorriger geworden; Das stimmungsvolle, straffe „Same Old Story“ dreht sich um eine Post-Punk-Basslinie, während das aufgewühlte „Wonder“ das Wow und Flattern analoger Synthesizer nutzt, um Bouchaudons Angst vor der Idee, „ein guter Mensch“ zu sein, zu unterstreichen. —MJ

'Sicherung'

„Fuse“ ist die erste Zusammenarbeit von Ben Watt und Tracey Thorn seit dem unterschätzten Juwel „Temperamental“ aus dem Jahr 1999, das die erstaunliche Neunziger-Jahre-Trilogie krönte, die sie mit „Amplified Heart“ und „Walking Wounded“ begannen. Der für Everything But the Girl typische Stil des gespenstischen Elektropops kommt voll zur Geltung, wobei Thorns melancholische Stimme durch die glitzernden Beats schwebt. Fuse macht genau dort weiter, wo „Temperamental“ aufgehört hat, als würden sie eine Kassette, die sie 24 Jahre lang auf Pause geschaltet hatten, auf Play drücken. Aber sie halten es frisch und nutzen die neuesten digitalen Effekte, um Thorns Stimme zu verzerren, zu filtern und zu einem tieferen, schmerzvolleren Instrument zu mutieren, das zum erwachsenen Ton der Songs passt. —RS

„So viel (für) Sternenstaub“

Fall Out Boy hatte einige Wachstumsschwierigkeiten dabei, sich außerhalb der Szene einen Namen zu machen. Für ihr achtes Album „So Much (For) Stardust“ kehren sie zum ersten Mal seit ihrem Debüt im Jahr 2003 zu Fueled by Ramen zurück, dem Label, das für seine All-Star-Aufstellung an Emo- und Pop-Punk-Schwergewichten bekannt ist. Dabei haben sie herausgefunden, was sie überhaupt zu einer so bleibenden Ausnahme gemacht hat (und was sie bei ihrem Bemühen, ihren Sound neu zu definieren, möglicherweise verloren haben): eine Art kühne, prägnante, emotionale Theatralik, die sie zu den liebenswertesten Rockmusikern zählt Außenseiter. —BS

„Mädchen mit Fisch“

Diese Band aus Pittsburg erschafft auf ihrer zweiten Langspielplatte süße, gewalttätige kleine Klangwelten, indem sie hellen Lärm und angespannten, zarten Twee-Pop mischt, um ein Gefühl von Trost und Verwirrung zu erzeugen, das jeden Song überraschend wirken lässt. Bei „Sweet“ ist die Gitarrenstatik fast symphonisch, und laue Breakbeats steigen aus dem Nichts auf, während „Pocket“ ein zerbrechlicher Power-Pop-Song ist, der sogar mit einer Art verspieltem Rap-Zwischenspiel daherkommt, bevor er sich in ein trübes Wehklagen verwandelt, das seinesgleichen sucht ein altes Lied von Dinosaur Jr. –JD

„Aber hier sind wir“

Das erste Foo Fighters-Album seit dem Tod von Schlagzeuger Taylor Hawkins befasst sich mit den Folgen dessen, was passiert, wenn die Dinge völlig unvorhersehbar werden. Es verfügt über eine Vitalität, die angesichts der Ereignisse vor seiner Veröffentlichung in gewisser Weise zu erwarten ist, aber seine Weigerung, den einfachen Weg um die Trauer herum zu gehen, macht seine Drum-Fills aus (gespielt von Grohl bei seiner ersten Rückkehr hinter dem Instrument auf einem Foos-Album seit 2005). ) landet mit mehr Intensität und seine Gitarrenschläge treffen härter. Sogar die gedämpfteren Titel wie das wirbelnde „Show Me How“, das durch den Gesang von Grohls Tochter Violet untermalt wird, haben eine Eindringlichkeit, die „But Here We Are“ zu einem fesselnden Hörerlebnis macht. —MJ

„Was ich dir nicht gesagt habe“

Die puerto-ricanische Sängerin GALE machte sich in Miami einen Namen, indem sie eingängige Hits für Christina Aguilera und Selena Gomez schrieb. Ihr Debütalbum zielt auf eine tiefere Katharsis ab – ein Trennungsalbum, das so offenherzig und verletzlich ist, dass man fast das Gefühl hat, als hätte noch nie jemand über solche Turbulenzen geschrieben. Klanglich begrenzt GALE den erwarteten Urbano-Einfluss auf einen schwachen Unterton. Stattdessen bewegen sich ihre Grübeleien über Freiheit und Selbstliebe in einer musikalischen Komfortzone, die auf Hyper-Pop-Chören, schmuddeligen Gitarren und ozeanischer Elektronik basiert. Auf fein gearbeiteten Juwelen wie „Triste“ und „La Mitad“ klingt ihre Stimme wunderschön und triumphierend. —EL

„3D-Land“

Bei ihrem Debüt im Jahr 2021 zeigten diese Brooklyner Indie-Rocker eine über ihre Jahre hinausgehende Beherrschung der New Yorker Rockgeschichte, von Television über No Wave bis zu den Strokes, sowie eine expansivere Radiohead-artige Seite. Auf 3D Country kommt die Band ganz groß raus. Der Sound hier kann an alles erinnern, von Parquet Courts über King Krule und Let It Bleed bis hin zu Deep Purple und Spaghetti-Western. Geese klingen, als hätten sie ebenso viel Zeit damit verbracht, in die Steely-Dan-Seite der Siebziger einzutauchen, mit Bongos, Synthesizern, Streichern und sanften Backing-Vocals, die in der Mischung weit nach oben verblassen.–IB

'Hauptfigur'

Das zweite Album der Schauspielerin und eigensinnigen Popstars Glüme (alias Molly Marlette) ist so grandios, wie der Titel vermuten lässt, mit Ohrwürmern wie dem hymnischen „Do Me a Favour“ und dem nervösen „Dangerous Blue“ sowie Gastauftritten von Künstlern wie Rufus Wainwright und Sean Ono Lennon sowie eine Streicher-Pause, in der Glüme die Zuhörer anweist, die Show zu genießen. Aber es ist kaum nachsichtig; Seine Songs werden durch Glümes Verspieltheit lebendig gehalten, was sich in Tracks wie „Wedding Cake Shop“ zeigt, einer fieberhaft-verträumten Zusammenarbeit mit den Indie-Fantasisten Of Montreal. —MJ

„Cracker-Insel“

Cracker Island – ursprünglich als „Staffel Zwei“ von Song Machine begonnen, bevor es als traditionelles Album überarbeitet wurde – ist das einfachste und unterhaltsamste Gorillaz-Album seit ihrem ersten Doppelsieg vor etwa 20 Jahren. Die Gäste fühlen sich zielstrebig, mit Leichtigkeit in die Indie-Funk-Melange gefiltert. Thundercat entkorkt einige Walking-Basslinien über einem Daft-Punk-würdigen Spiegelkugel-Groove, und Kevin Parker von Tame Impala tauscht Strophen mit Bootie Brown von The Pharcyde auf einem Synthie-Pop-Scorcher, der auf einer Platte von Tame Impala zu Hause wäre. —CP

„Höher als der Himmel“

Als Ellie Goulding dem Rolling Stone erzählte, dass „Higher Than Heaven“ ihr bisher „unpersönlichstes Album“ sei, jubelten Popmusik-Fans. Und das aus gutem Grund: In den letzten Jahren haben sich Künstler für Selbstbeobachtung entschieden, aber Goulding hat sich dafür entschieden, einfach nur lustigen, eskapistischen Pop zu machen. Und es hat auf jeden Fall funktioniert. Songs wie das fröhliche „Cure for Love“ und das mit Synthesizern gefüllte „Temptation“ erinnern die Zuhörer an Gouldings Pop-Fähigkeiten. —TM

„Ein Geschenk und ein Fluch“

Musikalisch ist Gunna in der Lage, uns an den wahren Grund zu erinnern, warum wir ihn überhaupt schätzen: die Art und Weise, wie seine samtweiche, sanfte Art, über die schönen Dinge des Lebens zu rappen, mit einem schillernden, aufregenden Sound zusammenarbeitet ganz sein eigenes. Er weiß, wie er dafür sorgen kann, dass sich der Tropfen so anfühlt, als wäre er in dir und nicht an dir. Die fünf Titel umfassende Siegesrunde zwischen „Ca$h $hit“ und „P Angels“ ist bei weitem die beste Songsequenz auf einer Hip-Hop-Platte in diesem Jahr, insbesondere der Übergang vom von Dunk Rock produzierten „fukumean“ zum Mitreißendes „Rodeo Dr“, in dem Gunna eine wilde Nacht auf dem Rodeo Drive wie eine Fahrt in den Weltraum mit dem Millenium Falcon wirken lässt.–MB

„Ich sterbe im alten Jahr“

Die 12 Lieder auf „I Inside the Old Year Dying“ begannen als Gedichte und lassen sich daher überhaupt nicht in Popsongs mit Strophe, Refrain und Strophe übersetzen. Stattdessen komponierte Harvey, die in den letzten Jahren an Filmmusik für Theaterstücke und Fernsehserien gearbeitet hat, volkstümliche Stimmungsstücke, die die Essenz ihrer Worte einfangen, die sie auf ungewöhnliche und oft betörende Weise singt. Einige der Songs sind schwerer zu verdauen, was wahrscheinlich Harveys Anliegen auf dem Album ist – die Leute dazu zu bringen, genauer zuzuhören.–KG

„Der Preis des Fortschritts“

„Der Trick besteht darin, nicht zynisch zu werden“, warnt Craig Finn zu Beginn des hervorragenden neunten Albums von Hold Steady, The Price of Progress. Die Rockkenner aus Brooklyn feiern ihren 20. Geburtstag als eine der großartigsten New Yorker Bands aller Zeiten und erzählen mit neuem Sinn für Abenteuer harte Geschichten über Spieler, Junkies und Flüchtlinge. Top-Hit: „Sideways Skull“ über einen sich erholenden Metalhead in einem Halfway House, der seine Träume am Leben erhält, indem er „We Are the Champions“ mit „einem Haarbürstenmikrofon und einer Fantasy-Band“ singt. —RS

'Die Show'

Der irische Barde von One Direction war schon immer die Seele der Wärme und des Charmes, immer bereit, seine Akustikgitarre hervorzuholen und einem Stadion das Gefühl zu geben, in einem lautstarken Pub zu sein. Aber Niall Horan steigert sein Können mit „The Show“, seinem dritten und bisher besten Album. Als er in die Dreißiger geht, wird er emotional. Viele dieser Stücke schrieb er auf dem Klavier, da seine geliebten Gitarren im Tour-Lager festsaßen – ein besonders grausames Schicksal für diesen Kerl. Es ist voll von entspannten, vom Laurel Canyon inspirierten Balladen, voller Sanftheit und voller Gefühlen über die Suche nach Vernunft in einer Zeit persönlicher Turbulenzen. Wie er in „Must Be Love“ gesteht: „Ich bin ein Spezialist darin, alles zu sehr zu überdenken.“ —RS

'Wie..?'

Letztes Jahr ging Ice Spice mit „Munch (Feeling U)“ viral, einer kalt-effizienten Herabwürdigung des anderen Geschlechts, die ihr einen Millionenvertrag mit 10K Projects/Capitol Records einbrachte. Seitdem sorgt der Bronx-Rapper für Schlagzeilen. Textlich ist ihre Debüt-EP Like..? ein Beweis für die Politik der Anziehung, und Ice Spice drückt dies alles mit übernatürlichem Selbstvertrauen aus. Sie hat eine sanfte, tiefe Stimme, die über die Beats von RIOTUSA gleitet, und ihr mitreißender Vortrag fühlt sich mühelos an. Auch wenn diese Tracks ein wenig zu sympathisch wirken, so macht ihre rohe Qualität ihre Darbietungen doch auch emotional und spannend. -HERR

'Wetterfahnen'

Die Songs auf Isbells brutal schönem neunten Studioalbum zittern vor Wut, Verzweiflung und Angst; Die Charaktere kämpfen mit Bedauern und ungesundem Appetit und kämpfen darum, Verluste aufgrund schlechter Entscheidungen und kaskadierender Konsequenzen zu begrenzen. Isbells Geschichten glänzen mit Memoiren und Schlagzeilen, während sie Epidemien mit menschlichen Gesichtern aufdecken: Massenerschießungen, Opioidabhängigkeit, Covid-19. Sogar die Liebeslieder sind verletzt und erschöpft, von kalter Wahrheit gekühlt. Untrennbar mit all dem verbunden ist die 400 Unit, die hier ebenso unverzichtbar ist wie Crazy Horse oder die Heartbreakers bis hin zu den großartigen Momenten von Neil Young oder Tom Petty. —WH

„Warum gibt uns die Erde Menschen zum Lieben?“

Die aus Chicago stammende Singer-Songwriterin Kara Jackson ist eine ehemalige Preisträgerin des National Youth Poet Laureate, die auf ihrem atemberaubenden und abenteuerlichen Debütalbum „Why Does the Earth Give Us People“ Country-Folk, Chamber-Pop der Siebziger und spärliches Folk-Klimpern vereint lieben? Jacksons Schreibstil ist sowohl makellos verarbeitet als auch zutiefst witzig: „Jeder Mann denkt, ich bin seine verdammte Mutter“, singt sie Sekunden später über „Therapie“. Mit seiner Reihe von fünf bis achtminütigen Songs ist Jacksons LP das gewagteste Singer-Songwriter-Statement, das Sie dieses Jahr hören werden. –JB

„… so unbekannt“

Auf … So Unknown veröffentlicht die Band aus Philadelphia zehn Hardcore-, Groove-Metal- und Metalcore-Tracks in weniger als 30 Minuten, doch Jesus Piece vermeidet repetitive und grobe Aspekte, indem sie sich als Musiker exponentiell weiterentwickeln. Die Band blüht richtig auf, wenn Sänger Aaron Heard persönlich wird. In „The Bond“ denkt er über den Zerfall der Beziehung zu seinem Bruder nach und in „Silver Linings“ brüllt Heard eine Ode an seinen dreijährigen Sohn: „Du bist ein Teil von mir/meiner anderen Hälfte/ Wenn die Tage düster werden/Du bist mein Silberstreif am Horizont.“ —IB

'GESICHT'

Das Solo-Debüt von Jimin von BTS beginnt mit etwas Unerwartetem – Bläser, die klingen, als kämen sie von einer energiegeladenen Karnevalsband, meckern ein paar flotte Töne, bevor sie völlig in sich zusammenfallen. Es zeigt, dass Jimin bereit ist, Spaß an dem Image zu haben, das er sich im Laufe des Jahrzehnts aufgebaut hat – und dass er im weltweiten Rampenlicht steht. Und während sich FACE zuweilen mit den existenziellen Was-wäre-wenn-Problemen beschäftigt, die Männer in den Zwanzigern plagen, auf die der Blick der Welt direkt auf sie gerichtet ist, ist es größtenteils eine überzeugende Demonstration der Popstärken der Sängerin und Tänzerin mit der seidigen Stimme. —MJ

„Morgen wird schön sein“

Ein Gefühl bukolischer Selbstakzeptanz steht im emotionalen Zentrum des weitläufigen Mañana Será Bonito, Karol Gs bisher stärkstem Werk. Das Album beginnt im epischen Post-Trennungs-Modus. Sie findet einen unterstützenden Klangpartner im Produzenten und Landsmann Ovy on the Drums, einem digitalen Architekten, der in der Lage ist, dem müdesten Reggaeton-Backbeat einen Sinn zu verleihen. Das autobiografische „Carolina“ schwebt in einer honigsüßen Schicht sanfter Afro-Beats, und die kurzen, enzyklopädischen musikalischen Referenzen auf der gesamten LP verleihen ihren Innovationen einen Kontext. —EL

„Kaytramin“

Der beliebte Tanz-DJ und Produzent Kaytranada ist kein Neuling in Rap-Kooperationen – tatsächlich ist er ein begeisterter Hip-Hop-Kopf, der 2017 ganze Projekte mit den zurückhaltenden MCs Buddy und erst letztes Jahr mit IDK realisiert hat. Allerdings schien er besonders begeistert von der Verbindung mit Aminé zu sein und sogar ihre Namen für ein Debütalbum zusammenzuführen. Kaytraminé ist für beide Künstler die Spitzenklasse – Aminé rappt in seiner coolsten und charmantesten Form, Kaytra nutzt die perfekte Balance aus Groove und Mut, und beide Stars ziehen eine Schar der besten Namen der Spiele an und schließen sich mit ihnen zusammen, darunter Pharrell und Snoop Dogg und Freddie Gibbs. —MC

'Rabe'

Kelela brauchte sechs Jahre, um ihre zweite LP „Raven“ zu veröffentlichen, und obwohl der Titel etwas in den Himmel ragendes suggeriert, klingt die Platte in der Praxis eher interstellar. Im Laufe einer Stunde besucht die Sängerin Planetoiden unterirdischer Breakbeats („Missed Call“) und durchquert große Abgründe verzerrter Umgebungsräume („Holier“). Songs deuten darauf hin, dass R&B im Laufe der Jahrtausende der Evolution mutiert ist; Der Titelsong ist ein Björk-artiges Melodrama mit vulkanischer Intensität. Kelela kann sich für eine dritte LP so lange Zeit nehmen, wie sie möchte. —CP

'Maulkorb'

Auf ihrer fünften LP ist Kesha müde, wütend und bösartig. Es gibt vieles, was sie immer noch nicht sagen kann, aber sie entfaltet so viel von ihren Gefühlen wie möglich in 13 Tracks mit verbrannter Erde, die eine Künstlerin zeigen, die sich vom Rand des Wahnsinns erholt. Das auffälligste Element von Keshas neuestem Album ist der Sound; In Zusammenarbeit mit dem Produzenten Rick Rubin hat sie einen psychedelischen Mittelweg zwischen den schmuddeligen Synthesizern ihres Durchbruchs „Warrior“ aus dem Jahr 2012 und dem urigen Southern-Rock ihrer letzten beiden „Rainbow“ aus dem Jahr 2017 und „High Road“ aus dem Jahr 2020 gefunden. —BS

„Ende und Beginn“

Das dritte Album des britischen Komponisten, Sängers und Produzenten Labrinth dauert nur etwa 28 Minuten, ist aber eine Megadosis Stimmung. Die düsteren Stücke der LP über Liebe und Einsamkeit sind von so viel Spannung geplagt, dass es oft so aussieht, als könnten sie – und Labrinth selbst – jeden Moment auseinanderbrechen. Labrinth bringt intensive Texte hervor, die seine apokalyptische Sicht auf Romantik widerspiegeln, und umgibt sein Wehklagen mit opulenter Musik – komplett mit Synthesizerkringeln und griechischen Refrains aus dem 23. Jahrhundert –, die darauf schließen lassen, dass er aus einer düstereren Zukunft hierher gereist sein könnte. —MJ

„Der Pfeil der Zeit“

Die Electropop-Traditionalisten Ladytron schöpften ihren Sound aus New Wave, Dance-Pop, Italo-Disco, Kraftwerk, Abba und sogar ein wenig künstlerischem Prog-Rock (ihr Bandname stammt von einem Roxy Music-Album aus der Eno-Ära), und sie haben nie zurückgeschaut . Und das ist gut so. Ihr siebtes Album „Time's Arrow“ strotzt nur so vor kühlem Roboter-Dream-Pop – vom Dancefloor-Knaller „Faces“ im Stil von Giorgio Moroder bis hin zu „Misery Remember Me“, einer Art Disco-Prog-Hybrid, der nie zu nerdig klingt oder zu cool für die Schule. -KG

„Joy'All“

„Joy'All“ ist der neueste Band eines fortlaufenden Dramas, das wir „Many Loves and Losses of Jenny Lewis“ nennen könnten. Gepaart mit den Music City-Vibes des Albums (denken Sie an Elvis Country oder Nashville Skyline, aber mit seidigerem Gesang) finden Lewis‘ Witz und Offenheit auf Joy'All mehr Beinfreiheit als auf früheren Alben. Das Country-Rock-Feeling ergänzt die besten Songs des Albums: Wenn Lewis in „Essence of Life“ über das schreiende „I want you back“ singt, jammert auch die Steel-Gitarre und im fröhlichen „Cherry Baby“ entsteht eine süße Yacht -Rock-Textur, die „Ich verliebe mich zu leicht in jeden, der mich berührt, fickt mit mir“ fast radiotauglich macht. -KG

„Trink den Fluss“

Gabe Lee hat es geschafft, ein Gebet, eine Wahrheit und einen Traum in einem Album zu verpacken. „Drink the River“, sein viertes Studioalbum, liefert dieses Trifecta in jedem seiner neun Songs und verteilt sie auf eine Art und Weise, die sich sowohl wie ein Fieber als auch wie ein Märchen anfühlt. Schließlich ist er hier, um Geschichten zu erzählen. Insbesondere diejenigen, die er seit Farmland im Jahr 2019 gesammelt hat und Nashville verließ, um dann wieder zurückzukommen. Während sein 2022 erschienenes Album The Hometown Kid Lee zu einem der vielversprechendsten Kandidaten der Stadt machte, ist Drink the River eine Erklärung seines Versprechens, einer der größten Geschichtenerzähler des Landes zu werden.–CM

„Lasst uns hier beginnen“

„Let's Start Here“ ist als ein großer Neustart positioniert, ein Angebot künstlerischer Integrität von einem Musiker, der der Welt als Mainstream-Star der SoundCloud-Generation vorgestellt wurde. Außer, dass hinter Yachtys ernstem, sirupartigem Fluss eine subtile Kraft der Brillanz lauert. Yachtys Instinkte ziehen ihn in die weiten Klanglandschaften des experimentellen Jazz und des Psychedelic Rock. Während viele Künstler die Notwendigkeit signalisiert haben, neue Wege zu beschreiten – Beyoncés „Renaissance“ und Drakes „Honestly Nevermind“ haben die Bühne für eine noch größere Neuordnung der Popmusik bereitet – stürzt sich Yachtys neuestes Werk kopfüber ins Unbekannte. –JI

„Mädchen in der Halbperle“

Das zweite Album der in Dallas geborenen Olivia Williams, Girl in the Half Pearl, ist ein vollwertiger künstlerischer Durchbruch, der von Drum-and-Bass über düsteren Soul bis hin zu sinnlichen, spacigen Konfessions-Jams reicht. Der Gesamtsound lässt sich mit dem Titel eines der einhüllendsten Stücke der LP zusammenfassen: „Lake Psilocybin“. Liv.e nutzt ihren weit geöffneten inneren Raum, um chaotische romantische Zustände und vielschichtige innere Krisen abzubilden und schwelgt in einer Selbstfindung, die sich scheinbar ewig zu entfalten scheint. –JD

'Portale'

Der LA-Dark-Pop-Künstler hat eine neue Muse gefunden: ein rosahäutiges, vieräugiges Feenwesen, das zwischen der Erde und dem Jenseits festsitzt. Und sie nutzt diesen Charakter, um ihre introspektivsten Texte und Klänge zu liefern, die sich außerhalb ihrer klanglichen Komfortzone bewegen. Musikalisch weicht Martinez von den Alt-Pop-Klängen ihrer Vergangenheit ab und erforscht Pop-Rock-Songwriting, treibende Drum-Beats und Sprachfilter. Es entsteht eine mühelos einfallsreiche, ausgereifte Platte, die sie als Künstlerin vorstellt, die keine Angst davor hat, bei Null anzufangen und komplexe, schwierige Ideen in Angriff zu nehmen. —TM

„72 Jahreszeiten“

Auf ihrem zwölften Album in voller Länge erinnern sich Metallica an die prägenden Jahre, in denen sie „Vollgas oder nichts“ gaben, einen Text, den Hetfield auf „Lux Æterna“, dem Debüt der Band aus dem Jahr 1983, „Kill 'Em All“, wiederverwendet, und sich auch „kaputt“ fühlten. schlagen und vernarbt“, eine Zeile aus „Death Magnetic“ aus dem Jahr 2008, die im schwerfälligen „Room of Mirrors“ auftaucht. Metallica waren schon immer Meister korpulenter, Groove-lastiger Riffs und labyrinthischer Songstrukturen, aber jetzt, mit mehr als 40 Jahren Erfahrung, spielen sie zielgerichteter als in ihren Tagen als Geschwindigkeitsdämonen. -KG

„Diamanten und Tanzflächen“

„Diamonds and Dancefloors“ war für Ava Max ein Moment der Katharsis, die ihren echten Herzschmerz in fröhliche Songs kanalisierte, die „einen gleichzeitig zum Weinen und Tanzen bringen“ sollten. Angeführt von der Single „Maybe You're the Problem“ ist das Album voller Synth-Pop-Knaller mit einem Hauch von Disco-Einflüssen, beeinflusst von Europop und UK Garage bei „In the Dark“. —TM

„Spider-Man: Into the Spider-Verse (Soundtrack zum und inspiriert vom Film)“

Niemand würde eine bessere Wahl für die Leitung des Soundtracks zu „Spider-Man: Across the Spider-Verse“ treffen als der Trap-Genie Metro Boomin aus Atlanta. Die Ergebnisse verleihen dem Begriff „Spider Verse“ eine neue Bedeutung, mit zahlreichen bahnbrechenden Takten von Offset, A$AP Rocky, 21 Savage, Future und einer ebenso übermächtigen Besetzung aktueller melodischer Rapper. AC/DC und die Ramones schienen veraltete Optionen für Peter Parkers Missgeschicke in Spider-Man: Far From Home aus dem Jahr 2019 zu sein. Aber Metro Boomins Musik für den jugendlichen Afro-Latino-Spidey in diesem Film klingt in den Schulhallen der Brooklyn Visions Academy super passend. – MML

„Leben unter der Waffe“

Auf der Debüt-LP von Militarie Gun hat Frontmann Ian Shelton keine Angst davor, seine innersten Ängste und Zweifel in offene Ohrwürmer zu verwandeln. Der Musiker aus Seattle und sein neuestes Projekt haben alles genommen, was am Hardcore einzigartig ist, und es mit wahnsinnig eingängigen Melodien, unendlich cleveren Gitarrenriffs und der Art von Call-and-Response-Energie überzogen, die ihnen buchstäblich einen Taco Bell-Sync einbrachte. Dieses letzte Detail könnte ausreichen, um einige der schrilleren Mitglieder der Punk-Community dazu zu veranlassen, Life Under the Gun komplett abzulehnen, aber diese Leute würden ein Album verpassen, das auf einzigartige Weise einfängt, was es live in einer Welt gibt, die scheinbar auf der Suche nach etwas ist Holen Sie sich auf Schritt und Tritt.–BE

„Folge dem Cyborg“

Auf dem Debütalbum von Miss Grit, einer Science-Fiction-Chronik über den Weg einer Maschine zum Bewusstsein, erzählt Margaret Sohns intellektueller Pop in elliptischen, eingängigen Songs, die unerwartete Wendungen nehmen, ist das Konzept hoch im Kurs. Das stählerne „Like You“ explodiert in Technicolor, wenn der Protagonist von „Follow the Cyborg“ über das Leben auf „der anderen Seite“ nachdenkt, während das brodelnde „Your Eyes Are Mine“ in eine glorreiche Mathe-Zusammenfassung übergeht. Sohns spärliche Poesie legt den Rahmen für Follow the Cyborgs moderne Geschichte über das Erwachsenwerden fest, und die Musik, die sie umgibt, verleiht der Geschichte genug Kraft, um einen Androiden zu Tränen zu rühren. —MJ

'Mädchen für alles'

Nennen wir es die Aufwärtsspirale: Das Debüt von Model/Actriz zeichnet einen Weg von harter industrieller Verderbtheit hin zu so etwas wie einer emotionalen Reparatur in den letzten Momenten. Dennoch ist es eine verdammt anstrengende Reise, dorthin zu gelangen. Tracks wie „Mosquito“ und „Crossing Guard“ lokalisieren den perkussiven Kick der perkussiven Manie, während Freakouts der zweiten Hälfte wie „Pure Mode“ kreischende Fortbewegung über den blutgetränkten Beichtstühlen von Sänger Cole Haden bieten. Wenn die Befreiung kommt, ist sie den Schmerz wert. —CP

„Das Zeitalter des Vergnügens“

„The Age of Pleasure“ ist ein halbstündiger Fiebertraum, der sich wie eine verschwommene Strecke anfühlt, bei einer sonnendurchfluteten Versammlung von Menschen, deren atemberaubende Schönheit mit ihren verführerischen Persönlichkeiten einhergeht. Beats aus der ganzen Karte fließen ineinander; Dialogfetzen fließen in die Mischung ein; In den Texten geht es darum, sich gut zu fühlen, sei es durch fleischliches Vergnügen oder durch das Wohlfühlen in der eigenen Haut. Seine etwa 31 Minuten sind exquisit ausgearbeitet und so geschmeidig abgemischt wie ein erstklassiges Set eines DJs mit einer unendlichen Sammlung, die Doo-Wop-Beilagen aus den Fünfzigern und topaktuelle Stücke aus der afrikanischen Diaspora umfasst. —MJ

„Wo die Blumen nicht sterben“

In den zwei Jahren, seit Monaleos erste Single „Beating Down Yo Block“ den Durchbruch schaffte, haben ihr südländisches Charisma und ihr unverblümter Charme sie in diesem Frühjahr bis nach Coachella geführt. Sie hat eine überzeugende Reihe von Singles und Freestyles veröffentlicht – wie ihr Original „We Not Humping“, dessen Remix mit ihrer Freundin Flo Milli und ihre Interpretation von „Faneto“ von Chief Keef – aber ihr Debüt „Where the Flowers Don't Die“ ist ein Ein wahrer Beweis für ihre vielfältigen Geschmäcker und ihre Fähigkeit, diese zu übertreffen. Ihre Verletzlichkeit durch Spuren von Gospel, Country und Pop ist solide und auffällig unter ihren brutalen Raps über das Versagen von Männern und ihrer Kampfbereitschaft. —MC

'Glücklich'

Der aufregendste Country-Mainstream-Rekord der ersten Hälfte des Jahres 2023 gehört der in Georgia aufgewachsenen Megan Moroney, deren Gen-Z-Iteration aus drei Akkorden und die Wahrheit beinhaltet viel SEC-Football und Social-Media-Scrolling: „Wollten Sie das doppelt antippen?“ „Rückblick auf die Frühjahrsferien 2016 im PCB-Bereich?“ Sie singt im perfekten Opener „I'm Not Pretty“. Aber „Lucky“ ist auch eine Übung in der Beherrschung der Tradition, vom tobenden Titelsong im Shania-Stil bis zur verheerenden Klavierballade „Mustang or Me“. –JB

„Die ersten beiden Seiten von Frankenstein“

„First Two Pages of Frankenstein“ ist eine bemerkenswerte Bestätigung der Stärke der Band: der Sound eines dritten Akts, der durch die Hölle der Depression und Schreibblockade geschmiedet wird. Es ist ihre kürzeste LP seit 15 Jahren, ein Zyklus geduldiger und oft ruhiger Lieder, völlig ohne die scharfkantigen Produktionsschnörkel, die ihre jüngsten LPs belebten. Die reduzierten Texte, die Matt Berninger zusammen mit seiner Frau und langjährigen Kreativpartnerin Carin Besser geschrieben hat, klingen aus dem Ursprünglichen gerissen und enthalten kaum die Ausführlichkeit in ganzen Sätzen, die frühe Platten auszeichnete. —CP

„Wege des Wissens“

Navy Blue kann ein Runen-MC sein: Im Jahr 2022 veröffentlichte er eine Quadrilogie von LPs, von denen drei nicht im Streaming verfügbar sind, mit Namen wie Crypt of Carlos: Onward! Aber er hat auch eine klassizistische Ader und beschwört Jay-Z in „Navys Reprise“ von seiner tiefsten Seite. Für sein Def-Jam-Debüt „Ways of Knowing“ bringt der gebürtige Weise Elsesser endlich alles zusammen und verwebt tief empfundene Reflexionen über die Familie mit Visionen des sechsten Sinnes über eine Reihe prächtiger Produktionen des LA-Beatmachers Budgie. —CP

„Als Gast fortfahren“

New Pornographers meinen, Cheap Trick wäre so schlagfertig wie Steely Dan oder die Romantics so nachdenklich wie REM. Auf ihrem neunten Album spiegelt sich ein Gefühl der Krise in Carl Newmans Songwriting in einem gedämpfteren musikalischen Ton wider und sorgt für eine LP, die ihre lebendige emotionale Wirkung in subtilen Gesten entfaltet. Das heißt aber nicht, dass es hier keine großen, spritzigen Songs gibt. Meistens hat sich die Stimmung jedoch geändert. Der heiße Gitarrensound tritt hinter Studio-Pastiche zurück, ein wehmütiges Saxophon tritt hervor und die Tempi tendieren ins nachdenkliche Driften. –JD

'Beweis für Leben'

Joy Oladokuns zweite Major-Label-LP ist wahrscheinlich die einzige Platte in diesem Jahr, auf der der Houstoner Rapper Maxo Kream, Chris Stapleton und die Jam-Band Manchester Orchestra zu hören sind. Die Singer-Songwriterin, eine schwarze, queere Künstlerin, macht das, was sie „hilfreiche Hymnen“ nennt. „Proof of Life“ schwenkt von der existenziellen Härte und den verzerrten Gitarren von „We're All Gonna Die“ über „Changes“, einem Roots-Country-Song, der sich auf die Unruhen in LA bezieht, bis hin zu „Revolution“, in dem Kream mitwirkt und an den Afro-Pop der Achtziger erinnert . Oladokun fügt diese vielfältige Mischung großzügig zusammen und schafft so ein offenes und zufriedenstellendes Ganzes. –JD

„In Times New Roman“

Das achte Album von QOTSA gerät nie allzu weit in ein Scheidungsrock-Meckerfest oder eine dunkle Nacht des Soul-Beichtstuhls, vor allem weil die Musik selbst so kathartisch ist. Nach dem Dance-Rock-Experiment von „Villains“ aus dem Jahr 2017 ist die Band zu dem Uhrwerk-Riffing zurückgekehrt, das die besten ihrer Werke seit ihrem selbstbetitelten Debüt von 1998 geprägt hat. Hört man sich eingängige, knallharte Stücke wie „Obscenery“, „Negative Space“ und „Emotion Sickness“ an, klingt es fast so, als würde die Band die Reihen um ihren Anführer schließen und ihm mit ineinandergreifenden Gitarrensounds und erschütternden Trommeln helfen, durch Dunkelheit und Chaos zu kämpfen Rillen.–DE

'Galerie'

Zu diesem besonderen Zeitpunkt ist das als Urbano bekannte Genre eine Geisteshaltung – ein Überbegriff, der auf einen bestimmten Zeitgeist des Herzens hinweist. In den Händen des puertoricanischen Singer-Songwriters Rafa Pabón kann urban alles sein, was er möchte: der heilende Reggae-Riddim von „Manifestations of Love“ oder die progressive Reggaeton-Schärfe von „Like Water“; die rohe raue Stimme der spanischen Diva Buika auf dem stattlichen „Ay Amor“ oder der träge Montuno-Pop von „Leyenda“ mit der ehemaligen Los Van Van Sonero Mayito Rivera. Peacock fügt „Pink“, einem zarten Baiser für die Ewigkeit, sogar indische Sitar hinzu. Der Umfang seiner musikalischen Galerie ist grenzenlos. -DER

„Auge auf die Fledermaus“

Die neueste Veröffentlichung von Palehound wurde von dem „Apokalypse-Roadtrip“ durch die USA inspiriert, den die Bostoner Indie-Band mitten auf ihrer Tour unternahm, um sicher nach Hause zurückzukehren, als die Pandemie Anfang 2020 ausbrach. Abenteuerliches Songwriting war für Palehound schon immer selbstverständlich , die Idee des queeren Singer-Songwriters El Kempner. Im Laufe von vier Veröffentlichungen in voller Länge haben Kempners lebendige Texte und sein Talent, Rock-Sensibilität, Punk-Energie und folkige Sanftheit zu vereinen, dazu beigetragen, dass ihre Band mit beliebten Künstlern wie Pup, Big Thief und Boygenius (bei denen sie Shows eröffnen werden) mithalten kann für diesen Herbst). Doch Kempers Direktheit, Empathie und Intimität sind ganz einzigartig.–MG

„Das ist der Grund“

„This Is Why“ ist Paramores exzellenter Ausflug in den Post-Punk, gespickt mit neuen Ängsten. Die Lead-Single „This Is Why“ gibt dem Album und seinem Thema einen bedrohlichen, eindringlichen Ton an: Paranoia und Frustration über den Mangel an menschlichem Einfühlungsvermögen, selbst nach den unerträglich schrecklichen gemeinsamen Traumata, mit denen die Welt in den letzten Jahren konfrontiert war. Gedanken über das Altern durchziehen die Lieder. In Rockstar-Jahren sind sie Veteranen, und das spüren sie bis ins Mark. Aber dieses Album ist der Beweis dafür, dass die Teenagerangst, die Pop-Punk und Emo antreibt, nie wirklich vergeht; es mutiert lediglich. —BS

„Meine weiche Maschine“

Parks ist ein Pop-Wunderkind; Als Teenager wurde sie von einer Managementgesellschaft auf sie aufmerksam und gewann den Mercury Prize 2021 mit ihrem Debütalbum Collapsed in Sunbeams, das herauskam, als sie nur wenige Monate vor ihrem 21. Lebensjahr stand. My Soft Machine erweitert diese Klangpalette und dringt gleichzeitig tiefer in die Emotionen ein – selbst wenn Parks die Art und Weise beschreibt, wie sie versucht, sie zu betäuben. Sie hat die Fähigkeit, Zuhörer nicht nur in ihre Gedanken, sondern auch in ihre unmittelbare Umgebung einzuladen, und die Wirkung bringt ihre rasenden Gefühle direkt in den Vordergrund. —MJ

„Verlangen, ich möchte mich in dich verwandeln“

Caroline Polachek kennt sich mit Popsongs aus – sie hat für Beyoncé und Travis Scott geschrieben, mit Next-Wave-Künstlern wie Charli XCX und PC Music zusammengearbeitet und ist mit Künstlern wie Dua Lipa auf Tour gegangen. Auf ihrem zweiten Soloalbum nutzt die ehemalige Chairlift-Sängerin ihr enzyklopädisches Musikwissen und ihre beeindruckende Stimme als Vehikel, um das Konzept des „perfekten Popsongs“ auf unerwartete Weise umzudrehen. Polachek gelingt es hervorragend, die Flut an Gedanken und Gefühlen darzustellen, die das stets aktive kulturelle Milieu der 2020er Jahre musikalisch und lyrisch herauskitzeln kann. —MJ

„Jeder Verlierer“

„Every Loser“ enthält einige von Iggys härtesten Rockern seit Jahren und betont all die Dinge, die der Mann gut kann: glühender Rock, pompöse Balladen und ein authentischer Umgang mit Worten. Mehrere Lieder erinnern ziemlich direkt an die Stooges. Das Wah-Wah auf „Frenzy“ könnte vom verstorbenen Stooges-Gitarristen Ron Asheton stammen, während der Anfang von „Modern Day Ripoff“ fast den Stooges-Klassiker „TV Eye“ zitiert. Er wird düster in dem eleganten, aber rauen „New Atlantis“, einer liebevollen Ode an seine vor langer Zeit gewählte Wahlheimat Miami, die er „eine wunderschöne Hure von einer Stadt“ nennt. –JG

„Streuner“

Das vierte Album von Price ist vielleicht die umfassendste Wiederholung ihrer sich ständig weiterentwickelnden Palette. Die aufregendsten Momente des Albums sind, wenn sie sich als Geschichtenerzählerin voll entfaltet: Songs wie „County Road“ und „Lydia“, Charakterskizzen aus der dritten Person, die sich zu mehr als sechsminütigen Epen entfalten, dienen als Anker des Albums. Die Erzählungen von Price entfalten sich Vers für Vers und zeichnen lebendige, kurzgeschichtenwürdige Porträts von Amerikanern, die in einer Welt endloser Gefängnisse, Opioide und Gentrifizierung kämpfen. –JB

'Wo ich sein will'

Das Debütalbum des spanischen Rappers Quevedo ist ein leuchtendes Flickenteppich aus Einflüssen und Referenzen, die ihn dazu inspirierten, sich der Musik zu widmen. Das funkelnde, mit Synthesizern gefüllte „Yankee“ ist eine direkte Anspielung auf die Reggaeton-Legende Daddy Yankee mit einem unerwarteten BMP-Boost; Das hauchdünne „Dame“ mit Omar Montes interpoliert für Kenner einen Refrain des kolumbianischen Künstlers Feid. Diese Bruchstücke, kombiniert mit Texten sonnendurchfluteter Sehnsucht und Sommernostalgie, über die Quevedo mit dröhnender Stimme rappt, ergeben ein Ganzes, das sich lebendig und neu anfühlt. -J L

'Sremm4Life'

Rae Sremmurd sind mit voller Kraft zurück und bilden eine vereinte Front für Sremm4Life, eine klare Aussage der beiden, die ihnen ein weiteres Wachstum und eine Erweiterung der einzigartigen Klangwelt, die sie erfunden haben, vor Augen führt. Die Songs auf ihrem neuesten Album zeigen weiterhin das Zusammenspiel der beiden Seiten der Brüder: Slim Jxmmis härtere Kante harmoniert weiterhin gut mit Swae Lees sanfterem, gesungenem Rap-Stil. Es beginnt mit dem verschwommenen „Origami“, das die äußerst treffende Frage stellt: „Wie veranstaltet man eine Party/und lädt uns nicht ein?“ Das haben wir uns alle in ihrer Abwesenheit gefragt. —BS

„Also reden sie und reden weiter“

Fuerza Regida beendete das Jahr 2022 mit einer explosiven Überraschung: Am 30. Dezember, kurz nachdem sie ihr mit Spannung erwartetes Album Pa Que Hablen veröffentlicht hatten, veröffentlichten die rebellischen Kids aus Kalifornien ein Begleitalbum, Sigan Hablando. Beide Platten waren randvoll mit kunstvollen, tuckernden Blechbläsern und triumphalen Texten, vorgetragen von Frontmann Jesús Ortiz Paz, der souverän brüllte – plus Kooperationen mit fast allen großen Namen der Música Mexicana, darunter Peso Pluma und Grupo Frontera. Tatsächlich wurde die romantische Cumbia „Bebe Dame“ mit letzterem der erste Song der Band in den Billboard 100. –JL

'Bebe'

In von Gras durchdrungenen Studiosessions mischte Bebe Rexha Siebziger-Jahre-Pop und die Lyrik von Stevie Nicks mit hellen Melodien und Disco-Anklängen, um „Bebe“ zu ihrem bisher besten Album zu machen. Die LP ist ein starker Kontrast zur dunkleren Energie ihrer früheren Musik – und sie strahlt durch diesen Optimismus. Obwohl das Album ihren Hit „I'm Good (Blue)“ mit David Guetta enthält, sind Rexhas beste Momente Dance-Pop-Songs wie „I'm Not High, I'm In Love“ und Dolly Parton „Jahreszeiten.“ —TM

„Die Kunst des Vergessens“

Die letzten Alben von Caroline Rose haben einen verspielten, ironischen Sinn für Humor an den Tag gelegt. Ihr neuestes Album „The Art of Forgetting“ aus dem Jahr 2023 fühlt sich nicht so lustig an – Rose hat einen Großteil davon aufgenommen, während sie sich von Herzschmerz erholte und einer existenziellen Krise gegenüberstand. Dadurch ist die Stimmung deutlich experimenteller und düsterer, wobei Roses scharfsinnige Popmelodien durch hauchdünne Synthesizerwellen, wortlose Gesangsharmonien und geloopte Akustikgitarren in den Fokus rücken und mit Wucht zuschlagen, wenn sie passieren. –JF

„Sieben Psalmen“

Niemand hatte mit der neuesten Veröffentlichung des 81-jährigen Singer-Songwriters gerechnet – Seven Psalms, einer 33-minütigen Suite, deren Titel und Konzept ihm buchstäblich im Traum einfielen. Die Musik ist ernst, sogar feierlich, genau wie das Format es vermuten lässt. Dieses Mal sind die Sterblichkeit und das, was als nächstes kommt, der Kern der Musik. Aber es ist auch überraschend breit gefächert. Was diese Musik verbindet, ist Simons Fähigkeit, einem spirituellen Rahmen eine Bodenständigkeit zu verleihen, die man von einem der größten Konversations-Songwriter der amerikanischen Popmusik erwarten kann. —MM

'Suche nach Feuer'

Während „Quest for Fire“ technisch gesehen erst sein zweites Album ist, ist Skrillex kaum aus dem Rampenlicht verschwunden. Für „Quest for Fire“ hat er eine Reihe von Gaststars gewonnen (von Four Tet bis Missy Elliott). Der britische Grime-MC und Produzent Flowdan bietet die befriedigendste Ergänzung zu den weltverschluckenden Beats von Skrillex; Seine tiefe Stimme überragt erneut den abprallenden Rhythmus des von Fred unterstützten „Rumble“. Wie die Moshpits und Tanzflächen, die ihn zu seiner Musik begeistern, weiß auch Skrillex, dass die ewige Bewegung von entscheidender Bedeutung ist. —MJ

„Gloria“

Gloria, Smiths viertes Album, baut auf dem Fundament auf, das ihre Chartsingle „Unholy“ gelegt hat. Es handelt sich um eine kompakte, stetig fließende Sammlung von Popsongs, die Smiths stimmliche Vielseitigkeit und sein persönliches Wachstum unter Beweis stellen. Smiths Erfahrungen als queerer Mensch, der katholisch erzogen wurde, ziehen sich durch das Album und nicht nur durch das Familienporträt „Unholy“. Auf Gloria begreift eine der bekanntesten Stimmen der Welt, wie die Treue zu sich selbst die Kraft ihres eigenen Instruments noch mächtiger machen kann. —MJ

„D-Day“

D-DAY, die dritte Veröffentlichung von Agust D, folgt auf sein selbstbetiteltes Mixtape aus dem Jahr 2016 und D-2 aus dem Jahr 2020; D-DAY ist das erste Album, das als richtiges Album eingestuft wurde. Es handelt sich um eine 10-Track-Sammlung, die textlich und musikalisch das Konzept der Freiheit erforscht – was sie bedeutet, ob sie ein Segen oder ein Fluch ist. Nehmen Sie den doppeldeutigen Titel des donnernden „Haegeum“, der sich um einen Bordunton des gleichnamigen zweisaitigen traditionellen koreanischen Instruments dreht. „Haegeum“ kann auch mit „Befreiung“ übersetzt werden, und Agust D packt diese Idee in verworrenen, ausgespuckten Reimen aus, die auf Konformität, die Insignien von „Erfolg“ und Informationsüberflutung abzielen. —MJ

'Daten'

Das erste Mal, dass der Reggaeton-Superproduzent als Solokünstler auftritt, hat das Gefühl, die tiefsten Inhalte des Gehirns des Superproduzenten herunterzuladen und seinen kreativen Prozess direkt vor Ihren Augen zu sehen. Das Geniale an Tainys bisheriger Arbeit ist, dass es eine Abhandlung zwischen ihm und anderen Künstlern ist, ein Treffpunkt, der den Acts, mit denen er zusammenarbeitet, dabei hilft, auf ihren eigenen Alben das zu erreichen, was sie wollen. Hier kann Tainy genau das tun, was er sich erträumt: Ja, das sind Sech mit einer Emo-Ballade und Arcangel mit einem spritzigen Hit, der wie eine Zeitreise aus den Achtzigern klingt. Und ja, er hat mit Skrillex und Rauw Alejandro ein Four-Tet-Sample zu einem Track zusammengefügt.–JL

„Lassen Sie mich meinen Status aktualisieren“

Mit allem Lob an Tyler, den Schöpfer, der DJ Drama „Call Me If You Get Lost“ laut rufen ließ, liebt niemand Mixtape-Rap mitten in den Achtzigern so sehr wie TisaKorean. Let Me Update My Status ist eine chaotische Collage aus Snap, Crunk, Klingelton-Rap, Computer-Soundeffekten, Soulja Boy-Referenzen und Songtiteln wie „cRaNk iT Up (BoNuS).mp3“ und beschwört die Vergangenheit als beschädigten Download herauf. Das Konzept scheint berauschend zu sein, aber TisaKorean hält die Dinge so üppig wie ein 100-Gecs-Track. —CP

„Bereit zu sein“

Im Laufe der Jahre wurde viel über K-Pop gesagt, aber auch über das Genre wurde viel missverstanden. Auf ihrer neuen EP „Ready to Be“ sprengt die Girlgroup TWICE die müden Stereotypen und durchbricht Barrieren mit einem Set aus sieben Songs, das so frech und fesselnd ist wie alles in der heutigen Popmusiklandschaft. „Ready to Be“ ist ein souveränes Comeback einer der aufregendsten K-Pop-Gruppen, vollgestopft mit kraftvollen Krachern und cleveren Ohrwürmern, die Ihre Aufmerksamkeit vom ersten Ton an fesseln. —TC

„Roter Mond in der Venus“

Der kolumbianisch-amerikanische Popstar vermischt Stile und Genres so geschickt, dass es im Widerspruch zu ihrem Ethos steht, ihre Musik in eine Schublade zu stecken. Sie ist eindeutig eine Studentin des R&B der letzten Jahrzehnte; „Love Between …“ ist ein Schlafzimmer-Pop-Update eines schimmernden Schlafzimmerstücks aus den 1970er Jahren. „Endlessly“, das von Pop&B-Mastermind Rodney „Darkchild“ Jerkins mitproduziert wurde, hat eine Gesangsmelodie und Synthesizer-Flairs, die an seine unauslöschlichsten Werke erinnern, aber die Texturen sind gerade genug verzerrt und die Vocals hart genug, um es in eine zu verwandeln Deutlich 2023 geschnitten. —MJ

'Segne dieses Chaos'

Einige der Zutaten, die das achte Album von US Girls ausmachen, sind neue Mutterschaft, griechische Mythologie und die klassischen Klänge von Hall and Oates und Carly Simon – aber die Künstlerin Meghan Remy macht ihre Songs so persönlich, dass sie originell klingen. „Only Daedalus“ könnte von Michael McDonald genauso gesungen werden wie Remy, aber ihre entspannte Darbietung von „Only Daedalus Coulda Thought of This“ fühlt sich einzigartig an. „Futures Bet“ hat eine verschwommene Synth-Pop-Atmosphäre und es gibt sogar einen Song, „Pump“, der sich mit dem Abpumpen der Brust beschäftigt. Das Ganze führt zu einem gesegneten Durcheinander. -KG

'Mal'

Der Rapper aus Detroit verspricht, sein Handwerk auf Ganger auf ein neues Level zu heben. Das bedeutet nicht, nachzugeben oder nach Hits zu greifen, sondern subtilere Ergänzungen zu einer bereits erfolgreichen Formel hinzuzufügen. Ihm beim Reimen zuzuhören ist so, als würde man beobachten, wie jemand eine Tasse Sirup auf den Beton wirft; Sie beobachten nur das langsame Gleiten und fragen sich, wohin es als nächstes führen wird. Manchmal bietet er Spielchen an wie „Wenn du deine Zeit hast, wird sie die halbe Stadt ficken / Derselbe Niggas, den du „Gang“ genannt hast, lacht dich aus“, aber meistens wird es unverfrorenes Dreckstum sein „Lass eine Schlampe von hier nach LA laufen“ – hoffentlich war sie schon in Compton.–AG

„Klar 2: Weiches Leben“

Auf ihren Alben in voller Länge, darunter ihr herausragendes Album „Over It“ aus dem Jahr 2019 sowie der würdige Nachfolger „Still Over It“, singt Walker in einem geschmeidigen und klaren Ton, der manchmal durch die starken Verarbeitungseffekte, die für moderne Hip-Hop-Musik typisch sind, abgeflacht wird. Hop und R&B. Ihre 2019 begonnene Clear-Reihe widmet sich echter „Soul-Musik“. Es ist schon lange klar, dass Walker ein Southern-Soul-Sänger ist, der Welten voller Emotionen und Gefühle erschafft. Hier stellt sie eine Reihe von Liedern zusammen, die wie Skizzen klingen und sich dennoch zu einem fesselnden Porträt einer jungen Frau im Wandel zusammenfügen. -HERR

„Anarchistisches Evangelium“

Sunny War hat das letzte halbe Jahrzehnt damit verbracht, ihre einzigartige Mischung aus akustischer Street-Punk-Poesie zu verfeinern. Ihr neuestes Werk, Anarchist Gospel, stellt mit seiner mühelosen Stilsynthese, die es schafft, alle vielen Traditionen, mit denen War vertraut ist, zu integrieren, einen Karriere-Höhepunkt dar, sei es Folk-Straßenmusik oder Achtziger-Hardcore. Sie alle kommen in der Mischung aus düsteren Sumpf-Grooves („Swear to Gawd“), warmen Country-Andachten („His Love“) und strukturierten, handgeklatschter elektrischer Blues („Shelter and Storm“). Das alles ist eine kraftvolle Aussage eines Singer-Songwriters, der bereit ist, eine der wichtigsten Stimmen des Jahres in der Roots-Musik zu werden. –JB

'Nach vorne'

Jordan Ward hat sich von einem talentierten Backgroundtänzer zu einem vielversprechenden R&B-Künstler entwickelt, der mit so großen Acts wie Justin Bieber auf Tour ist. Als ehemaliger Theaterkind mit einem untypisch normalen Charme nutzt Ward auf seinem Debütalbum „Forward“ die Gabe des subtilen Geschichtenerzählens. Er formt das typisch romantische Genre zu einem persönlicheren, indem er Lieder über normalisierte Gewalt, finanzielle Not und komplizierte Familiendynamiken vorträgt – jedes mit einer einzigartigen Dynamik. In einem ebenso sanften und nachdenklichen wie chaotischen Zwischenspiel erklärt er seinen Drang, so einprägsame Musik zu machen: „Ich bin das einzige Kind. Ich bin die letzte Station. Alles, was ich tue, ist vorwärts.“ —MC

'Das! Fühlt sich! Gut!'

Ware konzentriert sich auf die vielen Freuden der Tanzmusik. Körper und Körperempfindungen werden betont, während Hemmungen auf der Suche nach Ekstase abgelegt werden. Das! Fühlt sich! Gut! ist noch heller und funkiger als sein gefeierter Vorgänger aus dem Jahr 2020, What's Your Pleasure, voller großer Bläser und Grooves, die das Gefühl der Freude verstärken. „Warum wird die reinste Liebe durch Maschinen gefiltert?“ Sie wundert sich über „Begin Again“. Es ist ein Plädoyer für Erneuerung und menschliche Verbindung, wie sie die Tanzfläche in einzigartiger Weise bieten kann. –JF

„Ratte sah Gott“

Die Indie-Rocker Wednesday aus North Carolina sind gleichermaßen bodenständig und laut. Wenn Sie ein Fan von Boygenius oder Big Thief sind, wird Ihnen das furchtlose, besorgte Songwriting der Sängerin Karly Hartzman gefallen. Und wenn Sie ein Fan von Migränekopfschmerzen sind, werden Sie das Talent der Band lieben, raffinierte Verstärkerquälerei im My-Bloody-Valentine-Level rauszuhauen. Hier gibt es eine Flannery O'Connor-Geschichtensammlung voller Südstaaten-Fickereien. Aber Wednesday ist genauso daran interessiert, Sie mit einem wuchtigen Gitarrenknaller in den Bann zu ziehen, wie daran, schonungslos ehrliche Schnappschüsse vom Coming-of-Age-Erlebnis in Rural-Burban zu liefern. –JD

„Geschichten aus einem Rock’n’Roll-Herzen“

Das 15. Album der Americana-Legende feiert die Kraft des Überlebens, indem es mit den Freunden auftritt und sie ehrt, die sie im Laufe ihrer langen Karriere gewonnen hat. Williams war Co-Autorin aller zehn Tracks von Stories zusammen mit ihrem Ehemann und langjährigen Mitarbeiter Tom Overby. Der Nashville-Session-Gitarrist Travis Stephens und Jesse Malin, ein Rockstar aus der Innenstadt von New York, halfen ebenfalls. „Let's Get the Band Back Together“ gibt den Ton an, dessen hart erkämpfte Widerspiegelung („We were just another bundle of dumme Kinder/Staying up all night playing poker and billard“) mit der Art trotzigem Jubel verschmilzt, der großartige Rock- und Jazzmusik antreibt. Roll-Songs. Es ist eine „Ich bin immer noch hier“-Erklärung, die durch die folgende Musik untermauert wird.–MJ

'Karten'

In den letzten zehn Jahren galt der Brooklyner Rapper Billy Woods – er stilisiert seinen Namen in Kleinbuchstaben – als ungewöhnlicher Held des linksgerichteten Hip-Hop. „Maps“ markiert Woods‘ zweite abendfüllende Zusammenarbeit mit Kenny Segal. Im Wesentlichen dient es als Reisebericht für einen aufstrebenden Indie-Star und fasst die Missgeschicke, Kuriositäten und Demütigungen zusammen, die er während seiner Tournee ertragen musste. Woods erfüllt die literarischen Erwartungen, die ihm oft aufgebürdet werden. Jedes Werk ist ein anderes Kapitel in einer beeindruckend konsistenten Sammlung, und Maps findet ihn in Ruhe vor, während er eine Bestandsaufnahme der Welt um ihn herum macht. -HERR

DIE GESCHICHTE DER Stax-Platten ist seit langem geglättet und zu einem ordentlichen Bündel südländischer Aphorismen und Marketingtexte geformt worden. In „Written In Their Soul: The Stax Songwriter Demos“ wird eine viel tiefgreifendere Geschichte über das Label erzählt, ein aufschlussreiches neues Set mit 146 Songs bisher unveröffentlichter Demos einer Auswahl seiner vielen unbekannten Songwriter. In dieser Geschichte geht es um ein Plattenlabel, das einen fortlaufenden Raum, ein kreatives Ökosystem und eine Infrastruktur für einige der tiefgründigsten populären amerikanischen Songwritings des 20. Jahrhunderts bietet, von denen viele, wie diese Sammlung zeigt, das Hörpublikum noch nie gehört hat.–JB

„Mit einem Hammer“

Von ihren frühesten Veröffentlichungen an wusste Yaeji immer, wie man mit einem Hook umgeht, sei es die schüchterne Überarbeitung von Drakes „Passionfruit“ oder ihr sofort klassischer Party-Starter „Raingurl“. Aber es stellte sich heraus, dass dies alles der Vorläufer des Klangvergnügens war, das in „With a Hammer“ zu finden ist, einer prismatischen Zusammenstellung aus zweisprachigen Melodien, City-Pop-Flirr und doppelläufigem Schlagzeugprogramm. Inspiriert von Magical-Girl-Anime und einem Leben kaum unterdrückter Wut, klingt es wie eine Explosion. —CP

„Diese dumme Welt“

„This Stupid World“ hat eine Stimmung, die es aus dem geschätzten Katalog der Band hervorstechen lässt. Wie der Titel schon sagt, ist es offen niedergeschlagen, geprägt von Bildern der Sterblichkeit und dem Kampf, aus der Zeit, die wir hier haben, etwas zu machen. „Prepare to die/Prepare yourself while there’s still time“, singt Ira Kaplan wie ein Indie-Rock-Sensenmann auf „Until It Happens“, einem gereizten Akustiksong mit dröhnender Orgel, der wie eine höfliche Warnsirene klingt. Aber bei einer so schönen Platte fühlt es sich etwas weniger schmerzhaft an, sich dem Abgrund entgegenzubewegen. –JD

'Gumbo'

Jeder kann klangliche Abwechslung zu schätzen wissen, aber manchmal, wie im Fall des Rappers Young Nudy aus Atlanta, ist es von Vorteil, zu wissen, was einen erwartet. Auf „Gumbo“ bleibt Nudy seinem prahlerischen, hungrigen Drehbuch treu und schafft es auf einer 13-Track-Leinwand, die ihn auf der Rangliste des „besten Ohrs für Beats“ des Hip-Hop weiter nach oben bringt. Gumbos Produzenten haben ein Projekt geschaffen, das eindringlich, aber niemals überwältigend ist und Nudys unverwechselbarer, gummiartiger Stimme Raum lässt, um das Herzstück der Musik zu sein. – AG

Vom Rolling Stone US.