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Die besten klassischen Konzerte im August 2023 im Rückblick

Jan 02, 2024

Diese fesselnde Interpretation von Händels großartigem Oratorium kam als ermutigender und erhebender Glanz des Ruhms zu den Proms

Nach einer etwas glanzlosen Aufführung von Schumanns seltsamem Oratorium Das Paradies und die Peri am Dienstag war die Aufführung von Händels Oratorium Samson am Mittwochabend ein ermutigender und erhebender Glanz des Ruhms. Aber es war keine unkomplizierte Freude im Licht. Der Brand am Ende lässt auf sich warten, denn der Held verbringt das Oratorium in Dunkelheit gehüllt, da er von den Philistern geblendet wurde, nachdem er von seiner Frau Dalilah verraten wurde. Es ist eine doppelte Blindheit, moralisch und physisch, und erst am Ende, als Simson den Tempel der Philister niederreißt, erlangt er seine Größe zurück.

Es ist eine enorme emotionale Reise, die in dieser Aufführung der Academy of Ancient Music mit enormer emotionaler Kraft dargestellt wird. Im Mittelpunkt stand der Tenor Allan Clayton, der die grundsätzliche Würde von Samson ebenso erfasste wie seine Verzweiflung. Die große Arie, in der er seine Blindheit beklagt, „Totale Sonnenfinsternis“, wurde fast im Flüsterton gesungen, erfüllte jedoch den Saal und zog uns in ihren Bann. Um ihn herum war eine hervorragende Besetzung, die abwechselnd den angeschlagenen Helden tröstete, in Versuchung führte und herausforderte. Die amerikanische Sopranistin Jacquelyn Stucker, während Dalilah trillerte und gurrte: „Höre mich, höre die Stimme der Liebe“ auf eine Weise, die eher offensichtlich sexy als zärtlich war, aber Samson ließ sich nichts davon anmerken. Ihr letztes Duett, in dem sie sich gegenseitig mit Hass und Verachtung überschütteten, war einer der besten musikalischen Zickenkriege, die ich je gesehen habe.

Ein weiteres Highlight war Bass Brindley Sherratt als Philister-Starkmann Harapha. Seine schroffe Stimme, die Haraphas höhnische Verachtung wiedergab, war äußerst erfreulich, ebenso wie Claytons wütende Reaktion darauf. Die amerikanische Sopranistin Joélle Harvey beeindruckte als israelitische Frau, die die Hoffnungen des Stammes verkörpert, ebenso wie Jonathan Lemalu als Samsons trauernder Vater Manoa. Aber die beeindruckendste Sängerin auf der Bühne war neben Clayton Jess Dandy. Es ist schwierig, die Rolle des immer mitfühlenden und weisen Freundes dramatisch interessant zu gestalten, aber dieser Altistin mit aufregend sattem Ton ist es gelungen.

Ebenso entscheidend für den Erfolg des Abends waren der Philharmonia-Chor, der in absoluter Hochform war, und die Musiker der Academy of Ancient Music. Die liebliche Arie, in der der blinde Samson die Schatten in der Unterwelt schildert, verdankt ihre unheimliche Schönheit vor allem dem sanften Singen der Streicher. Und ich kann die fantastisch energiegeladene und dennoch entspannte und flexible Regie von Laurence Cummings nicht unerwähnt lassen. Er war wirklich der andere Held des Abends.ICH H

Hören Sie sich diesen Abschlussball auf BBC Sounds an. Die Proms dauern bis zum 9. September. Tickets: 020 7070 4441; bbc.co.uk/proms

Für seinen vorletzten Abschlussball als Musikdirektor des London Symphony Orchestra hätte Simon Rattle eines seiner mitreißenden, extrovertierten Partystücke wählen können, etwa Messiaens Turangalîla-Symphonie. Stattdessen bot er das wohl sanfteste und intimste Oratorium aller Zeiten an: Robert Schumanns Das Paradies und die Peri, basierend auf einer deutschen Übersetzung eines „exotischen“ Gedichts des irischen Dichters Thomas More. Hier gibt es keinen strengen Jehova, sondern nur den gewinnenden Nachwuchs eines gefallenen Engels und eines Sterblichen, der sich danach sehnt, wieder in den Himmel aufgenommen zu werden. Es ist ein Opfer erforderlich, um die Herzen der himmlischen Heerscharen zu berühren, und das Oratorium folgt der Peri, wie sie eine tränenreiche Andachtsszene nach der anderen ausprobiert.

Wenn Sie denken, das klingt nach einem Rezept für Sentimentalität, dann haben Sie Recht. Ein weiteres Problem des Stücks ist sein kitschiger Orientalismus. Auf ihrer Suche nach dem schönen Moment besucht die Peri die „Mondberge Afrikas“ und erklärt einmal: „Mein Fest ist jetzt der Tuba-Baum.“ Auf Deutsch klang es besser.

Der Orientalismus hinterlässt kaum Spuren in Schumanns Musik, abgesehen von Momenten klimpernder „türkischer“ Percussion unweit von Mozart, die das Orchester und Rattle mit genau der richtigen „Es war einmal“-Naivität wiedergeben. Auch die zarte Klagehaftigkeit der Musik fiel ihnen auf, insbesondere bei der exquisiten Eröffnung, die allein schon den Eintrittspreis wert war. Der traurige Klang der Oboe von Juliana Koch schwebte über der Aufführung wie rosa Wolken bei Sonnenuntergang.

Aber irgendetwas stimmt nicht mit einer Aufführung, wenn der Oboist das erste ist, was man loben möchte, und der Chor (der London Symphony Chorus) durchweg engagierter ist als die sechs Solisten an der Spitze. Nur zeitweise erfüllten sie Schumanns Sanftmut mit echter Leidenschaft.

Die Sopranstimme von Jeanine De Bique hatte zweifellos eine fesselnde Note, als sie das junge Mädchen spielte, das sich für die Liebe opfert. Der Bariton Florian Boesch wirkte rührend als der alte Sünder, dessen Tränen der Peri schließlich die Türen zum Himmel öffnen, und Magdalena Kožená war ein rührender Engel. Aber die Tenöre Andrew Staples und Linard Vrielink ließen mich gleichgültig, ebenso wie Lucy Crowe, deren Klang so rein war, wie es sich für eine Peri gehört, aber ohne den Hauch von Leidenschaft, der Reinheit interessant macht. Das Beste an der Aufführung war vielleicht Rattles liebevolle Gestaltung jedes Augenblicks, die mich fast davon überzeugte, dass Schumanns seltsames Werk wirklich ein Meisterwerk ist.ICH H

Hören Sie sich diesen Abschlussball auf BBC Sounds an. Die Proms dauern bis zum 9. September. Tickets: 020 7070 4441; bbc.co.uk/proms

Bei Prom 48 gab es jede Menge Anlass zum echten Staunen, als Dirigent Jules Buckley und sein Orchester das Werk der Soul-Legende Stevie Wonder von ganzem Herzen neu interpretierten. Doch das, was mich zuerst am Kopf kratzte, war ein riesiger Teleprompter, der im hinteren Teil der Royal Albert Hall zu sehen war und den Künstlern auf der Bühne Liedtexte anzeigen sollte.

Ich bin mir nicht ganz sicher, wie sehr das äußerst talentierte Sextett der Backgroundsänger von Anweisungen profitiert hätte, die zunächst lauteten: „Dodo do do do doo dodo / Do doo dodo doo / Do doo dodo doo doooooo ...“ In der geschmeidigen, jazzigen Version des Liedes Visions hieß es weiter: „Do doo do doo doo …“ Sie verstehen es schon. Was auch immer die Absichten des Transkribierers waren, die Musik, die daraus erklang, war fast unbeschreiblich herrlich. Die Backgroundsänger unter der Leitung von Vula Malinga lieferten diese Doo-Doos in perfekter Harmonie, während der virtuose amerikanische Jazzer Cory Henry geschickt auf der Hammondorgel herumspritzte, während er einen etwas textlich komplexeren Leadgesang über die Flucht in Visionen vom Paradies sang

Vielleicht zu Ehren des Meisters trug Henry durchgehend eine undurchdringliche dunkle Brille, ich gehe also nicht davon aus, dass er auf den Teleprompter angewiesen war. Als Keyboarder von umwerfender Beweglichkeit war er der erstaunliche Mittelpunkt dieser Hommage an Wonders bahnbrechendes Funk- und Soul-Meisterwerk „Innervisions“ aus dem Jahr 1973. Er sang mit einer kühnen, jazzigen Note auf Wonders vertrautem Gesangsstil und wechselte geschickt zwischen Orgel, Klavier und Synthesizer. Die Fusion mit dem Orchester bot eine reich strukturierte Klanglandschaft für eine Reihe absolut fantastischer Lieder, doch ich fragte mich auch, welche relativen Vorzüge die einzelnen Teile hatten.

Zum Ensemble gehörten drei weitere Keyboarder, dazu ein E-Gitarrist, ein Bassist, ein Perkussionist und ein Schlagzeuger, der von Stevie Wonders eigentlicher Band entlehnt war. Die Streicher klangen besonders kraftvoll und füllten Balladen, und die Schwellungen, Stiche und das schwungvolle Zusammenspiel der Bläsersektion waren bei den funkigeren Nummern mitreißend, aber es war die Elektroband, die die ganze Schwerarbeit leistete. Der bärtige Buckley stand an einem Podium, schwankte im Rhythmus und deutete mit seinem Taktstock, um verschiedene musikalische Elemente einzuführen, doch in Wirklichkeit ähnelte seine Rolle eher einem musikalischen Leiter als einem Dirigenten, wobei der Rhythmus der Band alles im Griff hatte.

Eine Zugabe von „Superstition“ (aus Wonders Album „Talkin‘ Book“ von 1972) brachte den ganzen Raum zum Grooven zum Pulsschlag eines Clavinet-Keyboards, aber als die charismatische Gastsängerin Sheléa Frazier die Menge in einer spontanen Singalong-Coda anführte, war nur das bemerkenswert Die Musiker der Band sprangen ein, um mitzutanzen, während das Orchester von seinen Plätzen aus zusah, ohne in seinem Element zu sein, wenn es um Improvisation ging. Bis zum Morgengrauen würde es kein Jammen geben.

Buckley ist ein faszinierender Abenteurer im Hinterland zwischen moderner und klassischer Musik, der ständig auf der Suche nach einfallsreichen Möglichkeiten ist, Orchesterinstrumente mit zeitgenössischen Genres zu verbinden. Bei früheren Proms hat er Quincy Jones, Nina Simone und Aretha Franklin gehuldigt und anderswo hat er eng mit DJ Pete Tong zusammengearbeitet, um elektronische Tanzmusik neu zu interpretieren. Es besteht kein Zweifel, dass er ein tiefes Gefühl für diese Musik hat, und man kann der spürbaren Freude über diesen Anlass nicht widersprechen. Und doch wünschte ich mir wieder einmal, er könnte es wagen, seine Abhängigkeit von elektrischen Elementen zur Verankerung des Klangs aufzugeben. Könnten klassische Instrumente allein die Synthesizer und Drumcomputer ersetzen, die Orchester im Pop fast überflüssig gemacht haben? Das wäre wirklich ein Wunder.NMC

Hören Sie sich diesen Abschlussball auf BBC Sounds an. Die Proms dauern bis zum 9. September. Tickets: 020 7070 4441; bbc.co.uk/proms

Das Wichtigste zuerst, und Lob gebührt dem Lob: Der zweite Geiger Yume Fujise, der in letzter Minute für den erkrankten Daniel Roberts des Castalian Quartet einsprang, spielte eine bemerkenswert sichere, durch und durch idiomatische Darbietung Aufgabe in einem langen, anspruchsvollen Programm beim Morgenkonzert des Ensembles beim Edinburgh International Festival. Am wichtigsten ist, dass Fujise die Weltpremiere von Mark-Anthony Turnages neuem Quartett Awake ermöglichte.

Ehrlich gesagt dürfte die Premiere jedoch Fujises ​​geringste Sorge gewesen sein. Turnages neues Stück war ein ruhiges, sicheres, zutiefst nachdenkliches Werk in zwei langsamen Sätzen, dessen Titel, wie der Komponist angab, sich wortreich sowohl auf „erwachte“ politische Ideen als auch auf eine Trauerfeier bezog – in diesem Fall eine verspätete für den Geiger George Bridgetower. der die Uraufführung von Beethovens Kreutzersonate gab.

Turnages neues Werk begann mit einem kantigen, dornigen Violinsolo im Kreutzer-Stil, das Sini Simonen, der erste Geiger des Castalian, mit großer Überzeugung und präziser Artikulation vortrug. Was folgte, war jedoch weitaus weniger durchsetzungsfähig und aufmerksamkeitserregend, sondern um einiges nachdenklicher. Durch dichte, dichte Harmonien – manchmal ziemlich an Bartók erinnernd, manchmal ziemlich jazzig (komplett mit einer markanten funkigen Basslinie des Cellisten Steffan Morris) – und sogar den Anfängen einer lehrbuchmäßigen Fuge zum Auftakt des zweiten Satzes zauberte Turnage eine Atmosphäre stiller Ruhe , der viele Fragen aufwirft, ohne viele Antworten zu bieten. Auch wenn es vielleicht nicht darum ging, zu schockieren und zu provozieren, gab es in Awakes ungezwungener Handwerkskunst und seinem lockeren Selbstvertrauen viel zu bewundern.

Es diente auch als Ausgangspunkt für die beiden weiteren Stücke des eng konzipierten Konzerts. Beethovens Kreutzersonate inspirierte Tolstoi zu einer Novelle, die wiederum Janáčeks Erstes Streichquartett, den Auftakt der Castalians, inspirierte. Sie boten einen unglaublich lebendigen, energiegeladenen Bericht, der mit seinen unvorhersehbaren, freien Rhythmen und seinen gelegentlich krächzenden, fast tonlosen Figurationen definitiv nicht jedermanns Sache war. Aber es war eine Aufführung, die – passenderweise – eine Geschichte zu erzählen hatte, und die Castalian-Spieler waren entschlossen, sie zu erzählen, auch wenn einige Details vielleicht nicht ganz dem entsprachen, was Janáček beabsichtigt hatte.

Ironischerweise ist ihr abschließendes Beethoven Op. Das Quartett Nr. 130 war im Vergleich dazu überraschend ruhig, ja sogar zögerlich: Die Abfolge lebhafter, geschickter Sätze fühlte sich an, als ob das Feuer und die Wut von früher plötzlich verschwunden wären. Die Spieler hatten jedoch noch Reserven für ein rasantes, tobendes Finale der Großen Fuge, das sie wie mit zusammengebissenen Zähnen spielten, mit einer Rückkehr zur Haltung und Aggressivität ihres Eröffnungsspielers Janáček. Das allgegenwärtige Fugenthema schien bei jedem Auftreten in Stein gemeißelt zu sein – aber in den Dur-Tonart-Abschnitten des Satzes herrschte ebenso viel Hochstimmung. Eine wirklich unvergessliche Leistung.DK

Das Edinburgh International Festival dauert bis zum 27. August. Tickets: eif.co.uk

Seit ihrer Uraufführung an der Mailänder Scala vor fast fünf Jahren wurde György Kurtágs einzige Oper Fin de partie (Endspiel) in Amsterdam, Valencia und Paris aufgeführt, und die Originalinszenierung von Pierre Audi wird nach New York reisen. Mittlerweile ist das britische Publikum daran gewöhnt, Konzertversionen statt kompletter Inszenierungen wichtiger Produktionen zu bekommen, die andernorts auf Tour gehen, aber bei Endgame – mit wenig „Action“ – ist das weniger wichtig, und die Halbinszenierung von Victoria Newlyn in der Albert Hall fühlte sich zufriedenstellend vollständig an.

Die Oper des ungarischen Komponisten ist vielleicht die wahrhaft Beckettsche Antwort, die es in der Musik auf die Schriften von Samuel Beckett gibt, und sie ist völlige Stille. Drei der vier Charaktere sind unbeweglich und wie angewurzelt auf der Bühne – der blinde und verkrüppelte alte Hamm und seine noch betagteren Eltern Nell und Nagg – und nur ihr lahmer Diener Clov kann sich bewegen, wenn auch mit Schwierigkeiten. Um dieses düstere Bild bei den Proms auf die Bühne zu bringen, brauchte man nur Kostüme und die beiden Mülltonnen, in denen Nell und Nagg leben, sowie eine symbolische Schachfigur, die im Text auf den Ritter anspielt, und die Endspielmanöver.

Kurtág war 92 Jahre alt, als seine völlig düstere Oper uraufgeführt wurde, und mit 97 Jahren behält er sich immer noch das Recht vor, ein Werk zu erweitern, das er mit dem Untertitel „Szenen und Monologe“ versehen hat. Aber Endgame fühlt sich vollständig an. Es ist gleichzeitig der Inbegriff von Kurtág – karg und zart – und doch anders als alles andere, was er komponiert hat, weil es so viel größer ist; Bei einer Dauer von zwei Stunden macht es etwa ein Fünftel seiner gesamten Produktion aus.

Das Warten auf eine Melodie mag darin so sein, als würde man auf Godot warten, aber in der Partitur steckt jede Menge Humor, nicht zuletzt Hamms so lautmalerisch vertontes Gähnen und der riesige Orchesterwecker, der Clovs Erwachen von Nagg begleitet. Von den sanft bedrohlichen Blechbläserfanfaren, die das Werk eröffnen, bis zu den schmerzenden Akkorden am Ende behielt der Dirigent Ryan Wigglesworth die Musik und ihre vielen Stille hervorragend unter Kontrolle und inspirierte das BBC Scottish Symphony Orchestra zu einer bemerkenswerten Konzentrationsleistung.

Alle vier Sänger waren großartig, drei von ihnen haben ihre Rollen in Mailand geschaffen: Frode Olsen als unergründliche Hamm, Hilary Summers bringt ihre ätherische Altstimme zu Nell und Leonardo Cortellazzis Nagg genießt seine Rolle im zärtlichen Streit dieser alten Weiber. Als Neuling hat Morgan Moody die Aufregung von Clov perfekt erfasst.

Die Opernhäuser hier hätten Schlange stehen müssen, um dieses herausfordernde Werk zu präsentieren, eine der bedeutendsten neuen Opern des 21. Jahrhunderts, daher haben die Proms mehr Macht, diese britische Erstaufführung präsentiert zu haben.UND

Hören Sie sich diesen Abschlussball auf BBC Sounds an. Die Proms dauern bis zum 9. September. Tickets: 020 7070 4441; bbc.co.uk/proms

Der Abschlussball gestern Abend brachte wieder einmal volles Haus mit einem Programm, das nicht gerade ein Publikumsliebling war. Es begann mit einer dieser unendlich entrückten Orchesterklanglandschaften des ungarischen Modernisten György Ligeti, ging weiter mit Beethovens intimstem Klavierkonzert, der Vierten, und endete mit der vollkommensten und tragischsten Symphonie Schostakowitschs, der Zehnten.

Das Royal Philharmonic Orchestra und sein Musikdirektor Wassili Petrenko müssen also jede Menge Tiefen ausloten. Was sie zeitweise auch taten, und dennoch kam der Abend nicht wirklich in die Höhe. Das Eröffnungsstück, Ligetis Lontano, braucht eine unmenschliche Perfektion in der Darbietung, um zu glänzen, mit Wechseln zwischen verschiedenen Musikrichtungen, die so absolut und augenblicklich sind wie ein filmischer Jump-Cut. Hier waren ein oder zwei nur leicht verschwommen, was die schöne Wiedergabe an anderer Stelle beeinträchtigte.

In Beethovens Konzert spielte das Orchester wunderschön, mit genau der richtigen, fast beiläufigen Zartheit. Das Problem war hier der Solist Alexandre Kantorow. Als kürzlicher Gewinner des Tschaikowsky-Klavierwettbewerbs – dem prestigeträchtigsten der Welt – ist Kantorow ein Meister der romantischen Musik und sieht sogar aus wie ein schlanker, zerstreut wirkender romantischer Dichter. Aber er schien unsicher, wie er mit Beethovens Konzert umgehen sollte. Manchmal, wie in der bescheidenen, fast wegwerfbaren Eröffnung, bemühte er sich um Gewichtigkeit, beschleunigte das Tempo und verweilte bei Details.

Zu anderen Zeiten ging Kantorow in die andere Richtung und betonte die Leichtigkeit des silbernen Filigrans der Musik so sehr, dass das Bassregister zu verschwinden schien. Dadurch wirkte das Stück wie eine Abfolge interessanter Momente, ohne einen Kern echter Gefühle. Es war eine Erinnerung daran, dass ein Solist wirklich den Mut zur Einfachheit braucht, um diese Musik zum Ausdruck zu bringen. Vielleicht wird Kantorow es eines Tages finden.

Mit Schostakowitschs 10. Sinfonie, einem Stück, das oft als Porträt der Schrecken des Stalinismus beschrieben wird, war Petrenko in seiner Heimat. Das Orchester hat auf jeden Fall sein Bestes gegeben, und es gab wunderbare Soloeinlagen; Besonders beeindruckend war der gewaltige, weltmüde Klang des Fagottisten Richard Ion. Aber insgesamt schien das tragische Gewicht des Stücks überbetont zu sein. Im langsamen dritten Satz war das Tempo so hoch, dass die Ironie der Musik tatsächlich nachließ. Und die Einleitung zum grotesk fröhlichen Finale war so langsam, dass sie ihren Einleitungscharakter verlor und nachsichtig lang und richtungslos wirkte. Schostakowitsch mag der große musikalische Mahnmaler des Totalitarismus sein, aber selbst seine tragischsten Denkmäler brauchen etwas Licht und Schatten.ICH H

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Die Idee, einem Proms-Publikum die Möglichkeit zu geben, aus einer Liste von 200 Stücken sein eigenes Konzertprogramm auszuwählen, war mutig. Aber wie dieser Abschlussball des Budapester Festivalorchesters gezeigt hat, sollten Sie, wenn Sie ein wirklich interessantes Konzert wünschen, einen Profi mit der Planung beauftragen. Nach einem komplizierten und scheinbar endlosen Abstimmungsprozess landeten wir bei einer Ad-hoc-„Symphonie“ mit Sätzen aus Tschaikowskys Vierter, Beethovens Pastorale, Dvořáks Siebter und Mendelssohns Schottischer Sinfonie – alle für sich genommen in Ordnung, aber nicht gerade originelle Entscheidungen. Fischer konnte seine Enttäuschung kaum verbergen. Und aneinandergereiht klangen sie bizarr. Das Orchesterspiel war ungewöhnlich kantig, als würden die Musiker die Musik vom Blatt lesen, was sie natürlich auch waren.

Das Beste aus musikalischer Sicht waren die feurigen ungarischen Volkstänze und ein Arrangement von „Tea for Two“, das von kleinen Gruppen von Musikern eingefügt wurde, um die Zeit während der Abstimmungs-Spielereien zu füllen. Sie erinnerten uns daran, wie charaktervoll die einzelnen Spieler dieses Orchesters sind, und dieser Charakter kam im Hauptkonzert des Orchesters am Abend deutlich zur Geltung.

Die schmerzliche Nostalgie des Dritten Klavierkonzerts von Béla Bartók, das der große Ungar komponierte, als er todkrank und Tausende von Kilometern von zu Hause entfernt war, war zu einem großen Teil dem wunderbaren Solospiel des Klarinettisten Ákos Ács und der Flötistin Anett Jóföldi zu verdanken.

Aber es war noch mehr dem reichen, ausgereiften Spiel des großen in Ungarn geborenen Pianisten Sir András Schiff zu verdanken. Schiff zeigte ein ausgeprägtes Bewusstsein für die vielen verschiedenen Seiten dieses trügerisch sanften Stücks und dafür, wie die Musik in einem Moment zwischen ihnen wechselt: den eleganten Neoklassizismus, das hymnische Gefühl des Mittelsatzes, den ausgelassenen Volkstanz des Schlusssatzes .

Schiff war nicht der einzige herausragende Solist des Abends. Einen fesselnden Auftritt hatte die junge deutsche Sopranistin Anna-Lena Elbert als komische Chefin der Politischen Geheimpolizei in einer Szene aus György Ligetis absurder Oper „Le Grand Macabre“. Das Orchester reagierte auf ihre verrückten, aber perfekt gestimmten Schreie in gleicher Weise, die Schlagzeuger zerknüllten mit komischer Wut Papiertüten und Iván Fischer warf vom Podium aus einige unsinnige Rufe ein. Es hat das Haus zu Recht zum Einsturz gebracht.

Nach all dieser Nostalgie und dem Nihilismus war Beethovens Eroica-Symphonie eine erfrischende Explosion aus einer Zeit, in der die Zukunft noch Hoffnung und Zuversicht wecken konnte. Um diese Qualität hervorzuheben, verleihen viele Dirigenten dem Stück eine rasante Geschwindigkeit und Elektrizität. Unter Fischers expansiverer Leitung und mit dem besonderen mitteleuropäischen Orchesterglanz des BFO erlangte Beethovens unsterbliche Symphonie eine epische, aber dennoch aufregende Breite.

Hören Sie sich diese Proms auf BBC Sounds an; bbc.co.uk/proms

Kein Zweifel – die Proms haben die magische Kraft, große Risiken einzugehen und dafür belohnt zu werden. Wo sonst auf der Welt würden 5.500 Menschen zusammenkommen, um ein ungeheuer schwieriges, ohrenbetäubend dissonantes Meisterwerk der Moderne zu sehen und am Ende zu jubeln?

Zugegebenermaßen hat dieses besondere Meisterwerk, das Requiem des ungarischen Komponisten György Ligeti, dessen 100. Jahrestag in diesem Jahr fällt, einen großen Vorteil: Es war Teil des Soundtracks von Stanley Kubricks berühmtestem Film „2001: Odyssee im Weltraum“, und so ist es auch Millionen von Menschen halb bekannt. In diesem Konzert stand es neben zwei anderen Stücken, die durch diesen Film berühmt wurden: Ligetis kurzes Chorstück Lux Aeterna und Richard Strauss‘ umfangreiches Orchester-Tongedicht Also Sprach Zarathustra.

Auf der Bühne des Requiems standen nicht weniger als 284 Musiker. Ein vergrößertes London Philharmonic Orchestra füllte die Bühne, und in scheinbar endlosen Reihen dahinter reihten sich die Sänger des London Philharmonic Choir, des Royal Northern College of Music Chamber Choir und des Edvard Grieg Kor aus Bergen in Norwegen auf.

In seiner Atmosphäre des Terrors und der Trostlosigkeit wirkt Ligetis Werk wie ein Requiem für das Ende der Religion. Manchmal klang es, als ob alle Stimmen der Menschheit zu einem immer lauter werdenden Murmeln der Not vereint wären, das von Schreien aus den Blechbläsern, bodenbebenden Bässen aus Orgel und Kontrabässen und plötzlicher Stille unterbrochen wurde.

Damit sich das Ganze beeindruckend anfühlte und nicht einfach nur seltsam, mussten all die Hunderte von Musikern messerscharf in Klang und Timing sein, was sie auf jeden Fall waren. Die beiden Solisten, die Sopranistin Jennifer France und die Mezzosopranistin Clare Presland, zauberten die richtige unheimliche Reinheit des Klangs, und Dirigent Edward Gardner sorgte für eine elektrisierende Spannung zwischen diesen Explosionen und der gähnenden Stille.

Nach der Pause kam ein Stück, das eine ganz andere Reaktion auf das Ende Gottes zeigte: das heroische Glaubensbekenntnis von Nietzsches Übermenschen, wie es in Strauss‘ Also sprach Zarathustra zum Ausdruck kommt. Wieder einmal hat Gardner das Tempo der Erzählung sehr geschickt gestaltet und sich von der berühmten Eröffnung mit Trompete und Orgel zu Strauss' Darstellung von Zarathustras rastloser Suche nach einer neuen Art von Glauben entwickelt.

Der unheimliche Schluss von Strauss‘ Stück, vom LPO mit leuchtender Perfektion gespielt, ist normalerweise der eindringlichste Moment in jedem Konzert, in dem es auftritt. Aber nicht hier. An purer Seltsamkeit wurde es von György Ligetis kurzem Chorstück „Lux Aeterna“ übertroffen, das von Edvard Grieg Kor von irgendwo außer Sichtweite hoch oben auf dem Balkon gesungen wurde. Es schien, als ob eine eisig reine und doch irgendwie zarte Sphärenmusik in den dunklen Saal herabgestiegen wäre, und für mich war es der bisher beste Moment der Proms.

Hören Sie sich diesen Abschlussball auf BBC Sounds an. Die Proms dauern bis zum 9. September. Tickets: 020 7070 4441; bbc.co.uk/proms

Der herausfordernde, zeitgenössische Aspekt der klassischen Musik ist etwas, das das Edinburgh Festival schon immer aufgegriffen hat, mit ein paar Premieren, die hier und da verstreut sind, um den Eindruck von echtem Engagement zu erwecken. Zu ihrer großen Ehre möchte der neue Direktor des EIF – die hervorragende Geigerin Nicola Benedetti – das ändern. In ihrer Einführung vor dem Konzert des BBC Scottish Symphony Orchestra am Sonntag sprach sie davon, dass sie „eine tiefere Kultur des Zuhörens“ fördern und ein Gespräch darüber anstoßen wolle, wofür „neue Musik“ da sei: den Werten, denen sie dienen kann, den Gefühlen es kann erschaffen.

Was folgte, war in der Tat eine inspirierende Lektion darüber, wie tief diese Gefühle sein können. Wir haben vier großartige Werke der letzten Jahrzehnte gehört (das neueste stammt aus dem Jahr 2013, das älteste aus dem Jahr 1989), die den Geist höher schlagen lassen und das Herz höher schlagen lassen. Alle vier waren trotzig hochkünstlerische Äußerungen, inspiriert von den beiden Säulen der klassischen Musik: Kunst und Natur. Die Politik wurde nicht berücksichtigt, was für manche vielleicht eine einseitige Sichtweise darstellt. Beispielsweise hätte eines von Frederic Rzewskis schroffen sozialistischen Stücken ein nützliches Gegengewicht zu all dem Ästhetizismus geboten.

Der große Vorteil von Benedettis Wahl bestand jedoch darin, dass die Stücke trotz ihrer Unterschiede ein zutiefst befriedigendes Ganzes bildeten. Die beiden, die sich an der Natur orientierten, waren „Virga“ der in Edinburgh geborenen Helen Grime, inspiriert von dem geheimnisvollen Regen, der verdunstet, bevor er auf den Boden trifft; und die Vögel der amerikanischen Komponistin Elizabeth Ogonek. In jedem Fall entfalteten sich unmittelbar wahrnehmbare Geräusche (Nebel in der einen, Gezwitscher in der anderen) zu etwas Reichem und Fremdartigem, weckten Gefühle, die normalerweise unberührt bleiben, und verbanden sie mit diesen Aspekten der sichtbaren Welt.

Offensichtlich emotionaler war Mark-Anthony Turnages „Three Screaming Popes“, das die leidenschaftslose Düsternis von Francis Bacons Neuinterpretationen des Papstes Innozenz X. aus dem 17. Jahrhundert aufnahm und daraus etwas fast fröhlich Gewalttätiges und Schreckliches machte. Am bewegendsten war „Let Me Tell You“ des dänischen Komponisten Hans Abrahamsen, das sich die reiche innere Welt von Ophelia in Shakespeares Hamlet vorstellt. Es war erfüllt von Melancholie und einer zarten, feierlichen Ernsthaftigkeit, die in der zeitgenössischen Musik einzigartig ist, der der Gesang von Jennifer France eine durchdringende, ergreifende Note verlieh.

Die Auftritte des BBC Scottish Symphony Orchestra unter Ryan Wigglesworth waren hervorragend geschliffen und großartig leidenschaftlich. Und wenn Benedetti und der Rundfunksprecher Tom Service, der für den verbindenden Kommentar zur Seite stand, manchmal die Worte fehlten, war das gut so. Es zeigte, warum wir Musik brauchen: um all diese ungreifbaren Dinge zu sagen, die Worte nicht erreichen können.ICH H

Das Edinburgh International Festival dauert bis zum 27. August. Tickets: eif.co.uk

"Was machen wir jetzt?" ist das Thema, das Nicola Benedetti, Stargeigerin und neue Leiterin des Edinburgh International Festival, für die Ausgabe 2023 gewählt hat – und das Eröffnungskonzert am Samstagabend lieferte eine Antwort. Es war einer Aufführung der riesigen Buddha-Passion des chinesischen Komponisten Tan Dun gewidmet, deren Botschaft nicht zu verkennen ist: Werfen Sie Ihren Ehrgeiz und Ihr Verlangen ab und nehmen Sie das Glaubensbekenntnis Buddhas des Mitgefühls für alle Dinge an.

Tan Dun gehört zu einer neuen Generation chinesischer Komponisten, die im Westen eine erfolgreiche Karriere aufgebaut haben. Er ist vielleicht der bekannteste von allen; Sicherlich funktioniert keines in so großem Umfang. Diese Passion ist den beiden erhaltenen Passionen von JS Bach nachempfunden, die die Geschichte der letzten Tage Christi auf Erden erzählen. Es entfaltet sich in Form einer Reihe großer Chöre, die sich mit Nummern für Solo- oder Duettstimmen abwechseln, mit einem Orchester, das von schwappenden Wasserschalen angeschwollen ist, und tibetischen Gebetsschalen, die ein pochendes Summen von sich geben.

Eine Kuriosität an Tans Passion besteht jedoch darin, dass der Buddha hier im Gegensatz zu Bachs Passion, in der Christus und seine Qualen am Kreuz ständig präsent sind, seltsamerweise abwesend war. Über diese quasi-mythische Figur ist in Wirklichkeit wenig bekannt, aber wir wissen, dass er Erleuchtung fand, nachdem er menschliches Leid miterlebt und sein eigenes Fleisch abgetötet hatte. Die meisten Komponisten würden die Gelegenheiten nutzen, die eine solche Biografie für Dunkelheit und Trauer bietet, um den musikalischen Höhepunkt noch schillernder zu machen, aber Tan zog es vor, sich mit anderen Legenden über Buddhas Leben und seine Schüler zu befassen, wie etwa dem mitfühlenden Hirsch der Neun Farben, der einen Menschen rettet, dann aber getötet wird, in einem Gleichnis menschlicher Gier.

Man konnte sich des Verdachts kaum erwehren, dass Tan dies teilweise tat, um die malerische Qualität seiner Musik nicht zu beeinträchtigen. Die Buddha-Passion hat ihre Wurzeln in der in Südostasien weit verbreiteten pentatonischen Tonleiter, die historisch im Westen eingesetzt wurde, um eine vermeintlich zeitlose Unschuld zu beschwören: siehe zum Beispiel den Anfang von Gilbert und Sullivans „The Mikado“. Nichtsdestotrotz war Tans Partitur von unbestreitbarem Können geprägt und vermischte Elemente, die manchmal westlich waren (wie die Brahms-ähnlichen Off-Beat-Akkorde in den Hörnern), manchmal östlich und manchmal beides gleichzeitig. Sowohl in der Mitte als auch am Ende gestaltete er einen beeindruckend langen, langsamen Aufbau hin zu einem gewaltigen, überwältigenden Höhepunkt im Chor und Orchester.

Die Interpreten dieses anspruchsvollen Stücks waren nicht zu loben. Der Edinburgh Festival Chorus und der RSNO Youth Chorus mussten rhythmisch knifflige Partien in Mandarin und Sanskrit meistern, und die sieben Solisten waren hervorragend, allen voran der tanzende Lautenspieler Chen Yining und die überaus heldenhafte Sopranistin Louise Kwong. Am beeindruckendsten war jedoch Tan selbst auf dem Podium, der die Darbietung mit exquisiter Sensibilität und energiegeladener Entschlossenheit prägte. War das alles ein bisschen kitschig? Ja – aber es war auch zutiefst bewegend. Die Botschaft des Buddha vom universellen Mitgefühl ist nach wie vor aktuell wie eh und je.ICH H

Das Edinburgh International Festival dauert bis zum 27. August. Tickets: eif.co.uk

Man kann sich immer darauf verlassen, dass die Proms einige echte Stars der klassischen Musik hervorbringen, und gestern Abend gab es zwei: die in China geborene Pianistin Yuja Wang und den 26-jährigen finnischen Dirigenten, der jetzt ihr Partner ist, Klaus Mäkelä. Kombinieren Sie das mit Rachmaninows vielleicht beliebtestem Stück, der Rhapsodie über ein Thema von Paganini, und Sie haben ein Traumticket. Es schien, als ob das gesamte Publikum mit seinen Smartphones illegale Videos drehte.

Im Mittelpunkt stand jedoch Wangs atemberaubende Musikalität. Jede Variation von Paganinis berühmter Melodie erstrahlte in ihren ganz eigenen düster-brillanten Farben. Wang hatte eine verführerische Art, Rachmaninows sinnlichen melodischen Schnörkeln eine katzenartige Gefährlichkeit zu verleihen. Hinter der Liebkosung steckte immer ein Biss. Auf dem Podium sorgte Mäkelä dafür, dass das BBC Symphony Orchestra genauso scharfsinnig war wie der Solist neben ihm. All dies führte dazu, dass diese unsterbliche Melodie wie ein Wunder aussah, als etwas Zartes und Weiches unter den Klauen hervorkam – bevor das gefährliche Glitzern zurückkehrte. Anschließend warf Wang, sichtlich erfreut über ihren begeisterten Empfang, zwei Zugaben, darunter „Tea for Two“, und wieder war es die federnde Sanftheit ihres Klangs, die sie faszinierte.

So wunderbar das auch war, es hat den Rest des Abends nicht in den Schatten gestellt. Die Premiere des Abends, Perú negro, eine Anspielung auf peruanische Volkslieder und Tänze des in Peru geborenen Komponisten Jimmy López Bellido, war etwas Seltenes, ein erklärtermaßen populistisches Stück, das mehr als nur Schwung zu bieten hatte. Zwar kamen die harmonischen Bewegungen unter dem exotischen lateinamerikanischen Schlagwerk der Exotik von Rimsky-Korsakow bemerkenswert nahe. Aber die Genauigkeit von López Bellidos Orchesterphantasie, bei der jede Idee der Seele des Instruments zu entspringen schien, für das sie geschrieben wurde, war eine Freude. Und seine melodischen Ideen waren so geformt und einprägsam wie der Anfang einer Bach-Fuge.

Was könnte dieser Klangpracht und Magie folgen? Mehr vom Gleichen, aber auf die n-te Ebene gebracht, war die Antwort, als sich das BBC SO und der Chor für William Waltons unverschämt dramatisches Belshazzar's Feast des Proms-Lieblings William Walton trafen. Beide waren in großartiger Form, beide gaben unter Mäkeläs fesselnd prägnanter Führung ihr Bestes. Der berühmte amerikanische Bariton Thomas Hampson schien sich in der Rolle des Erzählers unwohl zu fühlen, die einer lärmenden Wucht und grellen Färbung bedarf, die diesem höchst aristokratischen Sänger nicht wirklich passen. Abgesehen davon war es eine großartige Leistung.ICH H

Hören Sie sich diesen Abschlussball 12 Monate lang auf BBC Sounds an. Die Proms dauern bis zum 9. September. Tickets: 020 7070 4441; bbc.co.uk/proms

Jede Proms-Saison bringt eine Reihe brandneuer Stücke mit sich, fast alle davon im Auftrag der BBC; und man hofft immer, dass sich unter ihnen ein Joker befindet, etwas, das höhere Ziele verfolgt als der strahlend optimistische, leicht verständliche Auftakt, als den sich so viele Aufträge erweisen.

Das neue Stück am Donnerstagabend, im dritten der vier Proms des BBC Philharmonic in diesem Jahr, erzielte allein aufgrund seines Titels eine hohe Punktzahl: Kafkas Ohrstöpsel. Und die Chancen, etwas Außergewöhnliches zu hören, schienen hoch, da sein Komponist, der Ire Gerald Barry, seine gesamte Karriere damit verbracht hat, Jean Cocteaus Rat zu befolgen, „immer zu weit zu gehen“. Barrys Stücke sind ohrenbetäubend laut, manisch energiegeladen und oft wahnsinnig witzig.

Seine Idee, die Klangwelt von Franz Kafka heraufzubeschwören, einem bekanntermaßen neurotischen und unangepassten Schriftsteller, der versuchte, den Lärm der Welt auszublenden, indem er sich die Ohren zustopfte, steckte voller Komik und Pathos zugleich. Man könnte sich vorstellen, dass das Orchester die Klänge von belauschten Auseinandersetzungen und Gelächter sowie beliebte tschechische und Wiener Lieder auf dem Grammophon des Nachbarn nachahmt, alles undeutlich zu hören, als ob es durch Gaze gefiltert wäre.

Das ist mehr oder weniger das, was wir bekommen haben – außer dass die Sounds weder Pathos noch Komik enthielten. Wolken verschwommener Melodien stiegen und senkten sich, im rhythmischen Tandem mit ebenso wolkigen Basslinien, alles in einem gespenstischen Pianissimo; 12 Minuten lang gab es kaum eine Veränderung. Barrys Stück war alles andere als amüsant, sondern eine Übung in erbarmungslos strenger modernistischer Abstraktion. Zumindest löste es beim Publikum einen „Unsinn“-Schrei aus, was zeigte, dass die Proms noch nicht ganz in Ansehen versunken sind.

Nach Kafkas „Ohrstöpsel“ fühlte sich die satte mediterrane Wärme von William Waltons Violinkonzert wie ein sinnliches Paradies an, nicht zuletzt weil die Darbietung des Solisten James Ehnes so lyrisch war. Ehnes ist kein kraftvoller Spieler, aber das muss er auch nicht sein. Sein Ton war so süß, die schwierigen Doppelskalen so perfekt gestimmt, dass er das Orchester trotzdem dominierte.

Dann kam die Chance dieses Orchesters zu glänzen, mit der Ersten Symphonie von Sibelius. Unter der energischen, eindringlichen Leitung des finnischen Chefdirigenten des Orchesters, John Storgårds, wurde uns die schiere widerspenstige Energie des Stücks bewusst, die Art und Weise, wie seine massiven Kontraste in Richtung und Klang gefährlich nahe an Inkohärenz geraten. Dies machte den strahlenden Triumph des letzten Satzes noch überzeugender, obwohl das Ende – ein plötzlicher Rückzug in die intime Stille – überraschend war. Hier, in einer Symphonie von vor mehr als einem Jahrhundert, war der eigentliche Joker des Abends.ICH H

Hören Sie sich diesen Abschlussball 12 Monate lang auf BBC Sounds an. Die Proms dauern bis zum 9. September. Tickets: 020 7070 4441; bbc.co.uk/proms

In der 118-jährigen Geschichte der Proms gab es viele „Premieren“, aber vielleicht nie etwas so Außergewöhnliches wie das, was wir gestern Abend beim Prom des Bournemouth Symphony Orchestra gesehen haben. Der deutsche Hornist Felix Klieser, ein Mann, der ohne Arme geboren wurde, spielte Mozarts Viertes Hornkonzert mit Hilfe der Zehen seines linken Fußes. Es war faszinierend zu sehen, wie sich Kliesers Zehen mit der Geschicklichkeit und Präzision von Fingern bewegten. Nachdem wir von diesem Beispiel der Entschlossenheit und des Talents, das scheinbar unmögliche Widrigkeiten überwand, Demut und Bewegung erfahren hatten, konnten wir die fröhliche, stilvolle Musikalität seines Auftritts genießen – und die des vorübergehend abgespeckten BSO. Das war vielleicht der Hauptgrund Dieser Prom zog eine Quote von 96 Prozent an, was ein noch ermutigenderer Beweis dafür war, dass die Proms endlich den Post-Covid-Blues überwunden haben. Aber es gab noch viel anderes, was Anlass zur Bewegung gab. Der ukrainische Chefdirigent des BSO, Kirill Karabits, hat das Programm des Orchesters mit vielen faszinierenden und (für uns) unbekannten Stücken aus der Ukraine und der alten Sowjetunion bereichert. Gestern Abend wurde uns eines angeboten: das Konzert für Orchester Nr. 1 von Karabits‘ Vater Ivan mit dem Untertitel „Ein musikalisches Geschenk an Kiew“, das 1981 komponiert wurde, als die Ukraine fest unter dem sowjetischen Joch stand. Im Gegensatz zur ukrainischen Premiere, die am 1. Abend von zu hören war In dieser Saison, die eine mystisch-utopische Note hatte und einen musikalischen Zufluchtsort vor den Schrecken bot, die jetzt die Ukraine überschwemmen, wurzelte Karabits‘ Stück in den Geräuschen und Sehenswürdigkeiten der Stadt. Glocken waren immer wieder präsent, vor allem bei der freudigen Eröffnung, und zarte herabsteigende Arabesken, die an Vogelgezwitscher und die Kühle klösterlicher Kreuzgänge erinnerten. Diese nachdenklichen Passagen wurden schließlich von einer anschwellenden Erhabenheit erfasst (erinnern Sie sich an die „Großen Tore von Kiew“ in Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“), die über einen subtil gestalteten Übergang zu einem kraftvollen Schlussabschnitt führten. Das war mitreißend, aber musikalisch weniger markant, und es waren die Schnörkel des Vogelgesangs, die im Gedächtnis blieben. Aber der emotionale Kern des Abends war zweifellos Rachmaninows Symphonie, die Karabits in einem ungewöhnlich langsamen Tempo anstimmte, um ihre große Melancholie hervorzuheben, und die Der Höhepunkt der Bewegung schien völlig verzweifelt. All dies sowie die dunkle Energie des zweiten Satzes und die Reue des dritten Satzes brachten ein schönes individuelles Spiel hervor, auch wenn Übergänge und Balancen manchmal etwas holprig waren. Als der freudige Schlusssatz kam, hatte er genau das richtige Gefühl einer lang ersehnten Veröffentlichung.ICH H

Sehen Sie sich dieses Konzert am Sonntag, den 13. August, auf BBC Four an. Sehen und hören Sie Proms 12 Monate lang auf dem BBC iPlayer und BBC Sounds.

In der diesjährigen Abschlussball-Saison gibt es reichlich russische Musik, ein erfreuliches Zeichen dafür, dass sich der Zorn, der allem Russischen entgegengebracht wird, nicht mehr auf die russische Kultur erstreckt. Der Abschlussball des BBC National Orchestra of Wales gestern Abend bot zwei Seiten des russischen Musikgenies.

Das erste war die seltsame, bezaubernde Welt von Prokofjew, so vielfarbig und wandelbar wie ein Harlekin. Sein Klavierkonzert Nr. 3 ist bei weitem das bekannteste der fünf Konzerte und ein beliebtes Mittel für bullige, virtuose Pianisten wie Yefim Bronfman, der es mit einem Schlag auf den Unterarm mit Carlos Alcaraz aufnehmen kann. Die Solistin von gestern Abend, Isata Kanneh-Mason – die Älteste der sagenhaft musikalischen Kanneh-Mason-Geschwister – ist eher sylphenhaft als muskulös, und die Saiten des Klaviers wurden zu keinem Zeitpunkt bedroht.

Allerdings war dieses äußerst schwierige Konzert für sie offensichtlich kein Schrecken. Wie ihre Aufnahmen von Clara Schumann und „Childhood Tales“ zeigen, ist Kanneh-Mason besonders in Musik von zärtlicher Intimität zu Hause, und die seltenen Momente der Stille im Konzert strahlten von dieser Qualität, gepaart mit dem Spielzeugkistenzauber der Kinder, der alles war Prokofjews eigenes. Und sie warf die virtuosen Passagen mit spürbarem Vergnügen hin. Die ansteigende Tonleiterflut zu Beginn hatte genau die richtige Kombination aus stählerner Effizienz und naiver Spannung, und die teuflischen Variationen des langsamen Satzes hatten eine kapriziöse, grinsende Kuriosität. Insgesamt war es ein vielversprechendes Debüt in der Albert Hall.

Aber wir dürfen das BBC National Orchestra of Wales nicht außer Acht lassen, das unter seinem Chefdirigenten Ryan Bancroft in hervorragender Form ist. Ihr einziges Werk, das im Rampenlicht stand, war Tschaikowskys 5. Symphonie, ein Stück, das durch bloße Überbelichtung etwas getrübt wurde und dessen Übergang von slawischer Düsternis zu blechernem Triumph offensichtlich erscheinen kann. Bancroft war entschlossen, nicht offensichtlich zu sein. Die traurige Einleitungshymne war so langsam, dass sie den Willen zum Leben zu verlieren schien – was vielleicht Bancrofts Absicht war. Es ließ die ungewöhnlich schnelle, flatternde Angst der schnellen Bewegung sicherlich noch deutlicher hervortreten.

Zahlreiche Feinheiten offenbarten durchweg die unruhige, sehnsuchtsvolle Spannung in der Musik, was zum Teil dem wunderbaren Einzelspiel zu verdanken war (insbesondere Solohornist Tim Thorpe und Solofagott Jarosław Augustyniak). Später erhielt die große Walzermelodie des dritten Satzes, in der die Musik schließlich lächelt, dank Bancrofts flexiblen Tempi und eleganter Phrasierung eine zusätzliche frühlingshafte Frische. So viele interessante Details sorgten für eine etwas holprige Fahrt, aber an der Intelligenz und emotionalen Kraft der Darbietung gab es nie Zweifel.ICH H

Sehen Sie sich dieses Konzert am Sonntag, den 6. August, auf BBC Four an. Sehen und hören Sie diesen Abschlussball 12 Monate lang auf dem BBC iPlayer und BBC Sounds. bbc.co.uk/proms

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